Melankolis dan kesedihan telah menjadi fokus banyak seniman sepanjang sejarah manusia. Kesedihan adalah emosi yang tampaknya membanjiri jiwa manusia dan mengakibatkan kehancuran umum yang sulit dihilangkan oleh banyak orang sedangkan emosi senang bisa didapatkan ketika bisa memenangkan permainan seperti master slot 88. Seniman telah menggunakan berbagai media untuk mengekspresikan tingkat kesedihan tertentu, dan beberapa dari karya ini telah mendapat pujian luas dari kritikus seni dan cendekiawan selama beberapa abad terakhir. Berbagai lukisan yang berfokus pada kesedihan dan duka sering dipuji secara luas seperti yang menggambarkan kegembiraan dan kegembiraan. Pada artikel ini, kita akan melihat 4 lukisan sedih paling terkenal dan menelusuri peristiwa kehidupan atau pengaruh dari para seniman ini yang membuat mereka menciptakan karya semacam itu.

Melancholy – Edvard Munch

Edvard Munch adalah salah satu pelukis paling terkenal di akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Banyak dari karyanya yang paling terkenal berfokus pada berbagai tahap perkembangan emosi yang biasanya dialami manusia sepanjang hidup mereka. Munch dikreditkan dengan menciptakan apa yang oleh kritikus seni disebut sebagai lukisan melankolis paling terkenal dalam sejarah. Karya itu berjudul Melancholy dan selesai pada tahun 1891, yang oleh banyak sarjana disebut sebagai Era Ekspresionisme. Konon inspirasi karya Munch berasal dari hubungan yang tidak bahagia dengan seorang wanita muda dari negara asalnya Norwegia. Lukisan itu sepertinya menggambarkan Munch sendiri sedang melihat ke kejauhan di sepanjang garis pantai. Pantai yang digambarkan dalam lukisan ini konon mirip dengan destinasi populer keluarga Norwegia yang dikenal sebagai pantai Asgardstrand. Beberapa kritikus seni dan sejarawan berpendapat bahwa seniman tersebut memasukkan citra sugestif di dalam pantulan air yang konsisten dengan kehancuran yang dirasakan seniman selama periode ini.

Christina’s World – Andrew Wyeth

Andrew Wyeth dikatakan sebagai salah satu seniman paling terkenal yang pernah hidup di abad ke-20. Dia menghasilkan banyak karya yang berfokus pada seperti apa kehidupan bagi banyak warga negara Amerika biasa, seringkali melibatkan kebutuhan akan kerja keras dan perjuangan untuk menghadapi kerasnya ekonomi yang berubah-ubah. Salah satu lukisan Wyeth dianggap sebagai salah satu karya seni paling pedih yang pernah dibuat. Lukisan itu berjudul Christina’s World dan berisi adegan ikonik seorang gadis muda yang duduk di lapangan sambil memandangi sebuah rumah yang sepi di padang rumput. Warna rerumputan, langit, dan rumah yang suram dan suram seolah menyampaikan kesedihan yang dialami gadis kecil itu. Konon gadis dalam lukisan itu sebenarnya adalah kenalan Wyeth yang lumpuh dari pinggang ke bawah. Artis itu terobsesi dengan penderitaan gadis itu, dan merasa perlu untuk mengungkapkan kesepian karena terkurung tinggal di daerah sepi pada waktu paling energik dalam hidup.

Sorrow (also known as The Magdalen) – Paul Cezanne

Dikatakan bahwa hanya sedikit seniman yang berpengaruh pada tahap akhir gerakan Post-Impresionis seperti Paul Cézanne. Banyak dari karyanya yang paling menonjol membahas tema-tema religius, berpusat pada kisah-kisah alkitabiah dari Perjanjian Baru. Salah satu lukisan ini menampilkan sosok Maria Magdalena yang terkenal dan berjudul Kesedihan (juga dikenal sebagai Maria Magdalena). Pekerjaan itu diyakini telah selesai pada tahun 1869. Ayah Cézanne membeli sebuah vila di sebuah desa kecil di Prancis pada tahun 1860. Dia mengizinkan putranya yang masih kecil untuk melukis beberapa karya yang kemudian digantung di dinding di dalam vila. Lukisan ini dikatakan menangkap kesedihan yang dirasakan oleh Maria Magdalena, salah satu pengikut terdekat Yesus, sesaat sebelum dia dieksekusi.

Baca Juga : 7 Daftar Lukisan Termahal di Dunia

La Mélancolie – Louis-Jean-François Lagrenée

Louis-Jean-François Lagrenée adalah seorang seniman yang diakui secara luas selama gerakan seni singkat namun populer yang dikenal sebagai periode Rokoko. Seniman itu ahli dalam menggambarkan bentuk manusia dan melakukannya dengan gaya Rococo yang khas, termasuk adegan dengan detail yang rumit. Salah satu lukisan Lagrenée yang sederhana namun menawan dikenal sebagai La Mélancolie. Lukisan rumit ini dianggap sebagai salah satu karya abad ke-18 paling ikonik dengan tema kesedihan dan melankolis. Lukisan tersebut menggambarkan seorang wanita muda berjubah melambai dengan berbagai ornamen di tubuhnya, namun wajahnya terpaku dengan watak sedih. Ekspresinya adalah salah satu yang paling berkesan dari lukisan-lukisan sedih ini, karena tampaknya merangkum kekhidmatan yang sering menyertai kesedihan yang mendalam.

Lukisan termasuk karya seni yang mempunyai nilai menurut pg soft. Beberapa karya seni tenar di dunia berada di museum atau koleksi pribadi. Harga satu lukisan dapat bervariasi yangdipasarkan ke kolektor. Lukisan termasuk karya seni yang dibeli kebanyakan orang. Kolektor lukisan lebih menyenangi lukisan karya maestro ternama. Kian tenar sang maestro karenanya harga lukisan yang diciptakan kian mahal.

Lukisan Termahal di Dunia

Lukisan Termahal di Dunia Berikut daftar lukisan termahal di dunia yang dipasarkan, mengutip dari pgsoft:

1. Salvator Mundi karya Leonardo Da Vinci

Lukisan termahal di dunia yang dipasarkan dengan harga fantastis merupakan Salvator Mundi. Lukisan karya Leonardo Da Vinci ini dipasarkan sekitar US$ 450,3 juta atau Rp 6,4 triliun (kurs 14.232). Lukisan ini membuktikan Yesus Kristus yang sedang mengontrol bola kristal. Lukisan ini dihasilkan dikala Raja Louis XII dari Perancis, jangka waktu yang sama dengan pembuatan Mona Lisa.Lukisan ini sempat sirna antara tahun 1763 dan 1900. Hingga alhasil seluruh catatan dan penemuan kreatif lukisan ditemukan di tahun 2005, oleh pedagang seni Inggris. Lukisan Salvator Mundi memerlukan waktu 6 tahun untuk ditelusuri keautentikannya. Hingga hasilnya lukisan hal yang demikian memang diciptakan Leonardo Da Vinci.

2. Trade karya Willem de Kooning

Lukisan tenar karya Willem de Kooning tahun 1955 berada di urutan kedua. Willem terinspirasi dari lingkungan kota New York. Lukisan Trade terjual dengan harga hampir $300 juta atau senilai dengan Rp 4,2 Triliun tahun 2015. Trade adalah lukisan gaya absurd-ekspresionis. Lukisan termahal kedua ini bisa diamati di Craftsmanship Establishment of Chicago, Amerika Serikat.

3. The Players – Paul Cézanne

Lukisan hasil karya Paul Cézanne terjual dengan harga $250 juta atau senilai dengan Rp 3,5 Triliun. Lukisan ini diciptakan tahun 1893 oleh Paul Cézanne . The Players hasil Paul terjual pada tahun 2011 dan dibeli oleh keluarga kerajaan Qatar.

4. Nafea Faa Ipoipo – Paul Gauguin

Lukisan dua orang wanita karya Paul Gauguin berada di peringkat keempat dibawah lukisan The players. Lukisan ini dihasilkan. Saat Paul menjalankan perjalanan pertamanya di Tahiti. Nafea Faa Ipoipo membuktikan wanita yang tinggal di pulau hal yang demikian. Dalam bahasa Indonesia, judul lukisan ini artinya “kapan anda mempunyai keluarga?” Ada yang pernah menawar Lukisan hasil Paul ini dan terjual dengan harga $210 juta atau senilai dengan Rp 2,9 Triliun.

5. Number 17A – Jackson Pollock

Lukisan absurd karya Jackson Pollock terjual seharga $200 juta atau Rp 2,8 Triliun, sebagai koleksi pribadi. Lukisan Number 17A diciptakan tahun 1948 oleh Jackson. Anda dapat memandang karya lukisan absurd Jackson Pollock yang lain di Gallery of Present day Workmanship (MOMA) New York.

BACA JUGA : INILAH MENGAPA DUNIA MEMBUTUHKAN SENIMAN

6. Pendant Representations of Maerten Soolmans and Oopjen Coppit

Lukisan sepasanag pasangan ini terjual seharga US$ 195 juta atau Rp 2,7 triliun. Lukisan karya Rembrandt ini menampilkan pasangan Soolmans and Coppit dalam busana hitam dan putih. Lukisan ini diciptakan tahun 1.634 dikala pasangan menikah. Berdasarkan ahli seni dan sejarawan, kedua lukisan ini seharusnya ditampilkan bersama dan tak terpisah. Alhasil lukisan dibeli oleh Louver dan Rijksmuseum di tahun 2015. Sebelumnya dipasarkan, kedua lukisan ini milik keluarga Rothschild.

7. No. 6 (Violet, Green and Red) – Imprint Rothko

Lukisan seni kontemporer karya Imprint Rothko terjual seharga $186 juta atau 2,6 triliun rupiah. Lukisan No.6 ini tenar sebab masuk dalam 36 karya Bouvier Undertaking.

Bukan rahasia lagi bahwa para pedagang seni, kolektor, kritikus, dan kurator selalu berburu untuk menemukan seniman-seniman baru yang ditakdirkan untuk kejayaan. Meskipun tidak ada daftar yang pernah selesai, tentu saja, Artnet News telah mempersempit pencarian, dengan fokus pada 5 seniman pendatang baru pilihan IONCASINO yang lahir setelah tahun 1980, banyak di antaranya sudah dijebak oleh kolektor yang cerdas. Apakah Anda melihat karya mereka di antara lorong-lorong di pameran atau selama kunjungan galeri, daftar abjad seniman yang harus diperhatikan akan memandu Anda ke generasi berikutnya saat mereka naik ke puncak.

Max Brand (lahir 1982)

Seniman-musisi yang berbasis di Berlin Max Brand (karya gambar di atas) menggunakan berbagai media termasuk cat semprot, kapur, dan spidol untuk membuat kanvas berlapis-lapis yang berwarna-warni. Dengan memanfaatkan beragam pengaruh, termasuk Ekspresionisme Jerman hingga anime Jepang, kanvas Brand menjadi sangat dicari. Pada tahun 2012, seniman tersebut melakukan debut pertunjukan solo AS pertamanya di MoMA PS1 . Tahun lalu, Brand berada di pertunjukan dua orang dengan bintang yang sedang naik daun Lena Henke di Off Vendome , dan dia saat ini berada dalam pertunjukan kelompok di Tomorrow Gallery , di mana dia telah melukis mural khusus situs.

Li Liao (lahir 1982)

Banyak pengunjung mengabaikan pekerjaan yang tenang di New Museum Triennial tahun ini , karena sayangnya diposisikan di sebelah shower spectacle DIS di lantai dasar ruang (lihat Apakah Museum Baru Triennial Bagian dari Masalah atau Bagian dari Solusi? ). Namun, pesan dari karya seniman China Li Liao, berjudul Konsumsi, terdengar keras dan jelas. Seniman konseptual berusia 33 tahun itu bekerja di pabrik Apple di Shenzhen, Cina, selama 45 hari, yang merupakan waktu yang dibutuhkan untuk mendapatkan iPad dengan gajinya. “Selama Anda melek huruf tanpa masalah fisik yang signifikan, Anda akan dipekerjakan,” kata seniman itu kepada New Yorker. Karya seni Li, yang meliputi seragam pabrik, lencana, dan iPad, adalah komentar yang sangat dibutuhkan tentang tingginya biaya produk mewah, yang dibuat dengan tenaga kerja murah.

Aleksander Hardashnakov (lahir 1982)

Pada tahun 2011, bersama dengan sesama seniman Hugh Scott-Douglas dan dealer Tara Downs, Aleksander Hardashnakov mendirikan Tomorrow Gallery di Toronto; pada tahun 2014, Downs mengambil kepemilikan penuh dan memindahkan ruang tersebut ke Lower East Side New York. Untuk pertunjukan Tomorrow Gallery terbarunya, sang seniman membuat instalasi khusus lokasi yang menggabungkan lukisan kecil yang menutupi soket outlet, lampu, dan struktur baja. Hardashnakov saat ini sedang dalam pertunjukan dua orang dengan seniman Darja Bajagi di ruang proyek Croy Nielson (lihat Mengapa Darja Bajagić Menyesuaikan Porno dan Seni Pembunuh Berantai ). Karya seniman otodidak kelahiran Kanada ini membangkitkan rasa nostalgia, romansa, dan misteri.

Yngve Holen (b. 1982)

Untuk pertunjukannya di Galerie Neu , seniman Norwegia yang berbasis di Berlin, Yngve Holen, membungkus kain mesh (hitam, putih, dan hijau neon) ke dalam casing pemindai CT dari Siemens, barang-barang yang biasanya disediakan untuk keperluan medis riset. Banyak orang sezamannya berurusan dengan teknologi dan implikasinya pada masyarakat, tetapi karya Holen hampir nihilis, mengeksplorasi gagasan tentang kerentanan individu dan keabadian. Untuk pertunjukannya di Amsterdam, sang seniman memamerkan benda-benda domestik yang dipotong menjadi dua seperti pendingin air dan mesin kopi, menghilangkan fungsinya, menggunakan ide-ide yang dikemukakan oleh para pendahulu Dadaismenya. Holen juga pernah berpameran di Bergen Kunsthall di Norwegia dan Bonner Kunstverein di Jerman.

Piotr Lakomy (b. 1983)

Karya baja minimalis seniman Polandia Piotr Lakomy membangun citra baru arsitektur dan lingkungan perkotaan. Terlepas dari estetika yang keras, karya Lakomy tetap ringan dan intim. Misalnya, Need Room adalah patung styrofoam yang terletak di sudut dan berbentuk seperti kubus rubik granit yang hilang sepotong. Tiga bola lampu kecil menempati bagian yang hilang, ditempatkan seolah-olah sedang mengobrol. Seniman yang berbasis di Poznan, yang terlihat di galeri yang berbasis di London Stan The Sunday Painter di Art Basel di Miami tahun lalu, baru-baru ini ditampilkan dalam pertunjukan kelompok di Museum Seni Modern Warsawa dan saat ini dalam dua orang pertunjukan di Hester. (lihat Pameran Seni NADA Adalah Yang Paling Menyenangkan di Miami ).

Lihat juga: 16 Alat Seni Penting Untuk Seniman.

Alat seni yang tepat dapat memberi Anda kebebasan untuk mewujudkan visi artistik Anda. Inilah 16 item yang harus dimiliki setiap artis.

Jika Anda bersiap untuk menyiapkan ruang kerja Anda sendiri, ada pilihan alat seni yang Anda perlukan untuk memulai. Apakah Anda ingin membuat karya baru dengan pensil terbaik Anda, atau sekadar mengerjakan teknik melukis Anda, alat ini akan membantu Anda. Dapatkan inspirasi dari situs https://www.playtechslot.club/ jika Anda ingin melakukan design online.

01. Pensil

Kayu dan mekanik, Staedtler, Derwent dan Pentel, pensil adalah alat seni yang penting untuk kreatif. Temukan merek yang Anda sukai untuk bekerja sama dan pastikan Anda selalu memiliki pilihan yang berkualitas dan bervariasi.

02. Penghapus

Seperti pensil, tidak ada tempat kerja seniman yang lengkap dengan penghapus. Dempul lunak ini akan menghilangkan grafit dari sebagian besar permukaan – alat seni yang penting jika kita pernah melihatnya!

03. Pena

Jika Anda lebih suka bekerja dengan pena, pastikan Anda memiliki beragam pilihan merek yang Anda sukai untuk bekerja dengannya. Ada ribuan merek pena untuk dipilih, Faber-Castell, misalnya, memiliki pilihan yang menarik.

04. Kertas dan buku sketsa bersampul tebal

Baik Anda sedang mengerjakan karya untuk portofolio desain Anda atau desain logo baru, buku sketsa adalah alat seni. Jika Anda mencari yang baru, kami memiliki banyak pilihan buku sketsa untuk materi iklan, salah satunya pasti akan memenuhi kebutuhan Anda.

05. Kertas cat air

“Saya menggunakan hot press satin halus Langton untuk sebagian besar pekerjaan saya,” kata seniman Dave Kendall. “Meskipun kertas cat air yang halus bisa digunakan.”

06. Masonit

Banyak seniman lebih suka melukis di papan masonite. Ini dapat dengan mudah dibeli dan dipotong sesuai ukuran dari pedagang kayu atau perangkat keras.

07. Kanvas

Titik awal dari mahakarya Anda berikutnya, bukan? Papan kanvas dapat dibeli siap atau dibuat khusus dari sebagian besar toko seni. Dengan waktu dan pengalaman Anda akan dapat membuat sendiri.

08. Tongkat Mahl

Tongkat Mahl (atau pelukis) adalah tongkat dengan kulit lembut atau kepala empuk, digunakan oleh pelukis untuk menopang tangan yang memegang kuas. Ini banyak tersedia dari toko seni, atau Anda dapat mengikuti video di atas dan membuatnya sendiri.

09. Akrilik

Serbaguna, bersemangat, dan terjangkau, akrilik dapat dicat pada apa saja. “Liquitex dan Finity dari Winsor dan Newton adalah merek yang paling sering saya gunakan,” komentar Kendall.

10. Minyak

Jika Anda ingin memulai atau lebih suka melukis dengan minyak, ada banyak pilihan yang tersedia dari yang tradisional hingga yang cepat kering dan dapat dicampur dengan air.

11. Cat air

Cat air adalah media serbaguna dan fleksibel yang dapat menghasilkan berbagai hasil. Mereka datang dalam tabung dan sebagai versi kue kering.

12. Tinta

Tinta adalah alat seni terbaik untuk dimiliki sebagai bagian dari koleksi Anda. Bagus untuk menambahkan warna cemerlang, dan berguna untuk kaca jika warna dramatis diperlukan.

13. Kuda-kuda

Ada banyak jenis kuda-kuda yang tersedia. Pilihan Anda harus didasarkan pada berapa banyak ruang dan uang yang harus Anda keluarkan.

14. Palet

Ubin, piring, palet tetap basah untuk akrilik dari Winsor & Newton dan Daler-Rowney dan palet kayu tradisional untuk minyak.

15. Kuas

Memilih kuas cat untuk proyek Anda berikutnya tidak selalu merupakan keputusan yang mudah. Lagi pula, efek yang berbeda memerlukan alat yang berbeda sehingga sulit untuk mengetahui mana yang harus digunakan. Jika Anda kesulitan menggunakan kuas cat yang mana, hal terbaik yang harus dilakukan adalah mencoba berbagai bentuknya. Ingat, butuh waktu untuk terbiasa dengan berbagai bentuk. Latihan membuat sempurna.

16. Pernis

Untuk melestarikan lukisan minyak Anda, Anda akan memerlukan pernis gambar akhir. Gloss dan matte tersedia dari berbagai penyedia untuk tujuan ini.

Sudah lebih dari satu abad sejak abstraksi muncul sebagai genre utama (dan untuk sementara waktu dominan) dalam sejarah abad ke-20. Ini tetap menjadi aspek penting dari seni kontemporer, dan contoh utama baik sejarah maupun baru dapat ditemukan di museum seni utama NYC, termasuk MoMA, The Metropolitan Museum of Art, Guggenheim dan Whitney. Akar abstraksi kembali ke abad ke-19 dan kemunculan seni demi seni, sebuah filosofi yang mengemukakan gagasan bahwa lukisan dan pahatan harus membebaskan dirinya dari naturalisme untuk berkonsentrasi pada substansi seni itu sendiri material, tekstur, komposisi, garis, nada dan warna. Ini juga berarti perceraian dari peran selama berabad-abad yang dimainkan seni Barat dalam mempromosikan gereja dan negara. Dimulai dengan pendukung awal seperti s1288, fokus pada properti intrinsik seni menjadi semakin ketat melalui perkembangan gaya dari Impresionisme dan Pasca Impresionisme ke Kubisme dan Ekspresionisme. Perpecahan terakhir dengan representasi terjadi selama awal 1900-an dan remaja, dan berbagai seniman Vassily Kandinsky, Kasimir Malevich telah dikreditkan sebagai yang pertama mengembangkan abstraksi murni. Tetapi terlepas dari siapa yang memulainya, abstraksi secara fundamental mengubah sejarah seni, seperti yang Anda lihat dengan menjelajahi daftar seniman abstrak terbaik sepanjang masa.

Best abstract artists

1. Vasily Kandinsky (1866–1944)

Meskipun Vasily Kandinsky mengejar seni figuratif sebelum 1913, ia termasuk di antara pelukis pertama (jika bukan yang pertama) yang mendorong ke dalam abstraksi murni atau seperti yang ia katakan, “seni yang tidak bergantung pada pengamatan seseorang terhadap dunia luar”. Ia secara khusus percaya bahwa warna dapat dipisahkan dari semua referensi eksternal dan menjadi subjek seni. Bukunya tahun 1910, “On the Spiritual In Art,” memaparkan teorinya, dan menjadi salah satu teks Ur dari Modernisme abad ke-20.

Vasily Kandinsky, Black Lines (Schwarze Linien), 1913

2. Piet Mondrian (1872–1944)

Bersama dengan Picasso, Mondrian identik dengan Seni Modern, dan hanya menyebut namanya segera memunculkan salah satu komposisi geometris ikoniknya dari kotak-kotak berwarna primer yang dikandung oleh garis-garis hitam tegak lurus yang tebal. Seperti banyak modernis awal, Mondrian mulai bekerja dalam berbagai gaya yang dipengaruhi oleh Pasca-Impresionisme, dengan gaung Seurat dan Van Gogh bergema melalui adegan-adegannya di pedesaan Belanda. Karyanya, bagaimanapun, dimotivasi oleh keinginan untuk mencapai semacam persekutuan spiritual dengan yang ilahi, yang pada tahun 1913 membawa karyanya ke arah yang semakin abstrak. Namun, baru pada tahun 1920–21, ia menetapkan gaya yang paling dikenalnya.

Piet Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-43

3. Kazimir Malevich (1878–1935)

Hanya beberapa tahun setelah Kandinsky, Kazimir Malevich meninggalkan lukisan representasional pada tahun 1915, dan menciptakan komposisi Suprematistnya yang pertama (dinamai demikian karena fokusnya pada “supremasi perasaan atau persepsi murni dalam seni bergambar”). Gaya, yang ia juga menjuluki “realisme pelukis baru,” menampilkan bentuk geometris berwarna yang mengambang di atas latar belakang putih, dan dengan cepat mencapai tahap reduktif radikal dengan potongan-potongan seperti Black Square (juga dari tahun 1915), dan Komposisi Suprematist: White on White (1918). Pengangkatan Stalin ke kekuasaan setelah kematian Lenin pada tahun 1924, bagaimanapun, seni abstrak diberi label sebagai bentuk dekadensi borjuis, dan menyebabkan kampanye represi resmi yang akhirnya memaksa Malevich untuk kembali ke seni figuratif.

Kazimir Malevich, Suprematist Composition: Airplane Flying, 1915

4. Joan Mitchell (1925–1992)

Joan Mitchell adalah bagian dari gelombang “generasi kedua” dari Abstrak Ekspresionis yang melunakkan, agak, bom eksistensial pendiri AbEx, mengambil gaya dalam arah yang lebih liris, meskipun tidak kurang emosional mempengaruhi. Penggunaan gerak tubuh tetap menjadi komponen kunci dalam karya pelukis gelombang berikutnya ini, dan di tangan Mitchell, mereka menjadi menggugah pemandangan dan benda mati. Dipengaruhi oleh Paul Cézanne, Claude Monet dan Vincent van Gogh dan memang, Mitchell hampir dapat digambarkan sebagai seorang Post-Impresionis abad pertengahan yang tidak mengherankan mengingat bahwa, terlepas dari hubungannya dengan Sekolah New York, dia menghabiskan sebagian besar karirnya hidup dan bekerja di Prancis.

Joan Mitchell, Untitled, 1992

5. Ellsworth Kelly (1923–2015)

Selama tahun 1950-an, ketika Abstrak Ekspresionisme masih berada pada puncaknya, Ellsworth Kelly mulai menunjukkan kanvas monokromatik yang cerah, berpanel banyak, yang secara gaya dan temperamen kebalikan dari lukisan garis miring seperti Pollock dan Willem De Kooning. Dalam banyak hal, dia adalah orang luar selama kebangkitan Sekolah New York, baik secara kiasan dan harfiah saat dia mengembangkan estetikanya saat tinggal di Paris, tempat dia pindah pada tahun 1948. Namun, pekerjaan Kelly bertemu dengan pujian kritis. Penjelajahannya tentang hubungan antara bentuk dan warna berangkat dari abstraksionis geometris sebelumnya dan Abstrak Ekspresionisme dalam hal ini karena sifatnya murni formal. Karya Kelly mengatur nada untuk banyak seni berikutnya, termasuk Minimalisme, lukisan Hard-edge, Bidang Warna, dan bahkan seni Pop.

Setelah ‘The Da Vinci Code’ menjadi fenomena terlaris, para ahli teori konspirasi dan sejarawan di seluruh dunia bergabung untuk mempelajari dunia seni mencari rahasia. Dengan bantuan dari internet, sejumlah besar teori yang menarik perhatian tentang lukisan terkenal telah menjadi terkenal sejak saat itu.

Ada, tentu saja, ada sejumlah besar filosofi gila, yang telah dibantah dengan benar oleh yang lebih rasional dari kita. Konon, tidak semua teori tentang pesan rahasia dalam seni itu gila – bahkan jauh dari itu. Untuk membuktikannya, berikut lima lukisan terkenal dengan makna tersembunyi yang meyakinkan sekaligus menakjubkan dalam ukuran yang sama.

1. Lukisan ‘Matchstick Men’ L. S Lowry

Lukisan Lowry terkenal karena menggambarkan pemandangan kehidupan kerja pertengahan abad ke-20 di Inggris Barat Laut yang kini telah dibeli oleh pemilik situs . Dicirikan oleh gaya khas yang menggambarkan ‘laki-laki korek api’ dalam pengaturan perkotaan industri, persaudaraan seni menghilangkan manfaat lukisan Lowry selama bertahun-tahun.

Namun, beberapa dekade setelah kematian artis, sekarang jelas ada lebih banyak karya terkenal dari Lowry daripada yang terlihat. Di sebagian besar lukisan seniman, ada banyak ‘kedipan mata dan Anda akan merindukan kilasan’ penderitaan manusia yang tersembunyi dalam pemandangan sehari-hari industri Inggris.

Ambil lukisan tahun 1926 An Accident, misalnya. Dalam gambar ini (ditampilkan di atas) Anda akan melihat sekelompok besar orang menatap ke dalam danau. Ini mungkin tampak biasa saja. Namun, bunuh diri penduduk asli sebenarnya menginspirasi lukisan itu, dan para pria korek berkumpul untuk melihat mayat yang tergenang air.

Dalam tubuh pekerjaan Lowry, ini bukanlah contoh yang terisolasi – perkelahian tinju, orang-orang diusir dari rumah mereka dan ilustrasi isolasi adalah hal yang umum. Sementara itu, sisa korek api lukisan terus melanjutkan kehidupan sehari-hari mereka, hampir tidak menyadari penderitaan di depan pintu mereka.

Pesan tersembunyi itu? Kami sendirian dan rasa sakit kami tidak ada artinya. Terlepas dari jurang perbedaan antara industri Inggris dan kehidupan modern, bagi banyak orang, pesan tersembunyi yang dijiwai dalam karya Lowry sama benarnya hari ini seperti ketika seniman pertama kali melukiskan cat ke kanvas.

2. Michelangelo, Langit-langit Kapel Sistina

Periode Renaisans adalah masa pembelajaran dan penemuan hebat, yang diilhami oleh kemunduran pada semangat penyelidikan ilmiah Yunani kuno. Itu juga merupakan periode di mana banyak seniman suka menyembunyikan beberapa misteri dalam pekerjaan mereka untuk pemirsa yang bermata elang – dan Michelangelo juga demikian.

Bagi yang belum tahu, lukisan Kapel Sistina karya Michelangelo menceritakan kisah kitab Kejadian dalam sembilan bagian. Namun, subteks dari narasi lukisan ini bisa dibilang lebih menarik daripada cerita Alkitab di bagian depan.

Michelangelo adalah seniman, pematung, dan arsitek yang jenius – namun, lebih sedikit orang yang tahu bahwa ia juga ahli anatomi. Pada usia 17 tahun, Michelangelo mulai membedah mayat dari kuburan gereja, dengan tujuan untuk membuat sketsa dan catatan anatomi.

Apa yang menjadi jelas lebih dari 500 tahun kemudian, adalah bahwa keterampilan yang dikembangkan Michelangelo selama ini dimanfaatkan dengan baik saat melukis Kapel Sistina.

Tersembunyi di balik jubah dan wajah tokoh-tokoh yang dilukis Michelangelo, para ilmuwan Amerika telah menemukan beberapa sketsa anatomi. Ini termasuk gambar otak, yang dengan cerdik disembunyikan dalam representasi leher dan dagu Tuhan di bagian berjudul ‘Pemisahan Cahaya dari Kegelapan’.

Apakah Anda bertanya pada diri sendiri mengapa Michelangelo merasa harus menyembunyikan sketsa anatomi dalam karyanya di langit-langit Kapel Sistina? Nah, semakin banyak ahli teori yang percaya bahwa itu adalah upaya seniman tersebut untuk menyerang secara sembunyi-sembunyi atas penghinaan gereja terhadap sains.

3. Vincent Van Gogh, Teras Kafe Di Malam Hari

Bagi banyak orang, Cafe Terrace at Night adalah salah satu lukisan terpenting Van Gogh. Jika Anda melihat lukisan itu, seperti kebanyakan lukisan, Anda mungkin akan melihat pemandangan biasa dan biasa-biasa saja – meskipun dilukis dengan sentuhan ajaib khas sang seniman. Namun banyak yang percaya bahwa gambar itu sebenarnya adalah gambaran Perjamuan Terakhir.

Jadi, mari kita lihat bukti yang mengarah pada kesimpulan ini. Pertama-tama, sebagai putra seorang pendeta Protestan, Van Gogh sangat religius. Karena alasan ini, banyak kritikus seni percaya bahwa banyak lukisan mani Van Gogh menampilkan hubungan biner antara seni dan citra Kristen. Bagi banyak orang, Cafe Terrace At Night menawarkan contoh terbaik dari teori ini.

Perjamuan Terakhir adalah makanan terakhir yang Yesus santap bersama 12 muridnya. Jika Anda menghitungnya, lukisan Van Gogh dengan jelas menggambarkan 12 orang sedang duduk untuk makan, dengan sosok sentral berambut panjang berdiri di antara mereka.

Kebetulan? Mungkin. Namun, jika Anda memperhitungkan jumlah salib tersembunyi dalam lukisan – termasuk satu di atas patung seperti Kristus – semua bukti menunjukkan pernyataan bahwa lukisan ini benar-benar ekspresi artistik Van Gogh tentang Perjamuan Terakhir.

4. Leonardo da Vinci, Perjamuan Terakhir

Dari Perjamuan Terakhir semu Van Gogh hingga yang asli. Dan kita tidak sedang berbicara tentang dunia kriptogram Dan Brown yang mengungkapkan kehidupan rahasia Yesus di sini. Alih-alih, kami berfokus pada pesan tersembunyi yang akan membawa musik ke telinga Anda – secara harfiah.

Jika Anda melihat Perjamuan Terakhir Da Vinci (di atas), Anda akan melihat serangkaian roti gulung yang melintasi bagian tengah lukisan. Beberapa tahun yang lalu, seorang musisi menemukan bahwa dengan menggambar lima garis dari tongkat musik di lukisan, roti gulung dikombinasikan dengan tangan para rasul berbaris untuk membuat not balok.

Jika dibaca dari kanan ke kiri, yang mengikuti gaya penulisan unik Da Vinci, not-not tersebut digabungkan untuk membuat komposisi 40 detik yang merdu. Bahkan orang-orang kafir pun mengakui bahwa komposisi nada harmoni yang sempurna terlalu bagus untuk menjadi suatu kebetulan. Ditambah, dalam gaya polymath sejati, Da Vinci adalah musisi ahli, sekaligus pelukis, pematung, dan penemu.

5. Diego Rivera, Manusia, Pengendali Alam Semesta

Nelson Rockefeller awalnya menugaskan seniman Meksiko Diego Rivera untuk melukis Manusia di Persimpangan Jalan untuk Rockefeller Center di New York. Tetapi ketika dia mengambil pengecualian untuk lukisan yang menggambarkan revolusioner komunis Rusia Vladimir Lenin, dia telah menghancurkannya.

Diego Rivera akhirnya mengecat ulang mural di Mexico City, dan menamainya Man, Controller of the Universe. Namun setelah rekonstruksinya, Rivera melanjutkan dan membuat satu tambahan kunci – penggambaran ayah Nelson Rockefeller di bawah interpretasi bakteri sifilis.

Oleh karena itu, makna tersembunyi dari lukisan ini menjadi jelas: Ayah Nelson Rockefeller menderita sifilis. Untuk menghina rumah penghinaan, Rivera juga melukis Rockefeller – seorang teetotal terkenal – memegang martini, sambil berdiri di samping seorang wanita yang bisa dengan mudah menjadi pelacur. Oh, dan Lenin juga menjadi lebih menonjol dalam menata ulang lukisan ini.

Seni Filipina mencerminkan berbagai pengaruh, dari masa kolonial negara itu hingga budaya kontemporer. Di sini, Culture Trip menampilkan profil 10 master Filipina legendaris yang harus Anda ketahui.

Fernando Amorsolo (1892-1972)

Dicap sebagai Artis Nasional pertama di negara itu pada tahun 1972 oleh Presiden Marcos saat itu, Fernando Amorsolo sering dikenal sebagai ‘Pria Tua Agung Seni Filipina’. Realis lulusan Spanyol ini mengembangkan teknik backlighting, di mana penggambaran warna-warni tentang orang-orang lokalnya mencerminkan pancaran sinar matahari Filipina. Sosok dan lanskap yang diterangi bersinar secara ajaib di atas kanvas. Meskipun kesehatannya memburuk dan penglihatannya menurun, dia tetap produktif hingga akhir, menghasilkan hingga 10 lukisan sebulan sampai kematiannya pada usia 80 tahun. Kreativitas Amorsolo mendefinisikan budaya dan warisan bangsa hingga hari ini.

Musuem Vargas – ditemukan di dalam kampus almamaternya, Universitas Filipina, menampilkan pilihan karyanya yang terkenal.

José Joya (1931-1995)

Seorang pelopor ekspresionisme abstrak Filipina, pelukis multi-media José Joya menggunakan warna-warna berani dan cerah dengan berbagai teknik melukis, layering, sapuan impasto longgar dan tetesan terkontrol. Warna-warnanya yang harmonis dipengaruhi oleh lanskap Filipina dan margasatwa tropis. Penguasaannya terletak pada lukisan gestural, di mana cat diaplikasikan secara spontan di atas kanvas, terkadang langsung keluar dari tabung atau melalui penggunaan sapuan lebar dengan kuas.

Joya memengaruhi seniman yang lebih muda untuk mengeksplorasi media lain seperti tembikar dan seni grafis saat ia menjabat sebagai Dekan Sekolah Tinggi Seni Rupa di Universitas Filipina. Pada tahun 1964, Joya mewakili negara itu dalam Venice Biennial, menampilkan kemajuan seni modern di Filipina.

Lukisannya yang paling terkenal dari tahun 1958, disebut Granadean Arabesque, adalah lukisan dinding berwarna kuning berskala besar yang menampilkan gugusan pasir dan impasto. Itu dapat dilihat di Galeri Seni Ateneo di Manila.

Pacita Abad (1946-2004)

Lahir di pulau utara Batanes, seniman yang dihormati secara internasional pertama kali memperoleh gelar dalam Ilmu Politik di Universitas Filipina. Aktivismennya yang gigih melawan rezim Marcos di tahun 1970-an, membawanya pindah ke San Francisco untuk awalnya belajar hukum – tetapi dia menemukan panggilan sebenarnya dengan seni. Lukisannya terdiri dari warna-warna cerah dan perubahan pola dan bahan yang konstan. Pekerjaan sebelumnya berurusan dengan penggambaran sosial-politik orang, topeng asli, bunga tropis, dan pemandangan bawah air. Pacita menciptakan teknik unik yang disebut ‘trapunto’, di mana dia menjahit dan mengisi kanvasnya yang cerah dengan berbagai macam bahan seperti kain, logam, manik-manik, kancing, kerang, kaca, dan keramik, untuk memberikan tampilan tiga dimensi pada karyanya. Banyak perjalanannya ke seluruh dunia dengan suaminya telah menjadi inspirasi untuk teknik dan bahan yang digunakan dalam karya seninya. Pacita telah berpartisipasi di lebih dari 60 pameran di seluruh Amerika Serikat, Amerika Latin, dan Eropa.

Dia tercatat telah mengerjakan lebih dari 5.000 karya seni – karyanya adalah Alkaff Bridge, Singapura, jembatan sepanjang 55 meter yang tercakup dalam lebih dari 2.000 lingkaran warna-warni. Itu diselesaikan beberapa bulan sebelum dia meninggal karena kanker paru-paru pada tahun 2004.

Ang Kiukok (1935-2005)

Lahir dari imigran Cina, Ang Kiukok adalah pelopor ekspresionisme figuratif modern Filipina. Dihadiahi sebagai Seniman Nasional negara itu pada tahun 2001, ia adalah salah satu tokoh komersial paling sukses di kancah seni lokal dari tahun 1960-an sampai kematiannya akibat kanker pada tahun 2005. Seperti Amorsolo, lukisannya populer di lelang dan telah menerima tawaran yang sangat tinggi di Sotheby dan Christie. Dia dikenal karena penggambaran kubis dan surealisnya yang berbeda tentang penyaliban Kristus dan ibu dan anak. Namun, ia diakui atas rangkaian Nelayan di Laut, yang menghubungkan energi, keyakinan, dan perjuangan para nelayan di bawah sinar matahari merah menyala yang bekerja bersama untuk membawa hasil tangkapan untuk hari itu.

Karya-karyanya yang terkenal diwakili di Pusat Kebudayaan Filipina, Museum Sejarah Nasional Taipei dan Museum Nasional di Singapura.

Benedicto Cabrera (1942-sekarang)

Dikenal sebagai ‘BenCab’ di Filipina, Cabrera adalah pelukis komersial terlaris di generasinya dan pemimpin terkemuka dari seni kontemporer lokal. Ia belajar di bawah bimbingan José Joya di Universitas Filipina dan menerima gelar di bidang Seni Rupa pada tahun 1963. Karirnya yang sukses telah berlangsung selama lima dekade, di mana lukisan, etsa, sketsa, dan cetakannya telah dipamerkan di seluruh Asia, Eropa, dan AS. . Dia saat ini tinggal di stasiun perbukitan utara yang dingin di Baguio, di mana dia mendirikan Museum BenCab empat tingkat di Asin Road yang menampilkan pilihan eklektik dari artefak asli, karya pribadi, dan koleksi lukisan yang luar biasa dari seniman kontemporer Filipina.

Kidlat Tahimik (1942-sekarang)

Seorang teman dekat BenCab dan penduduk asli Baguio adalah sutradara Kidlat Tahimik yang sangat diakui. Dikenal sebagai bapak film independen Filipina, pemerintah baru-baru ini menganugerahkan kepadanya Ordo Artis Nasional untuk Film pada Oktober 2018. Lahir sebagai Eric de Guia, Kidlat Tahimik berarti ‘kilat diam’ dalam bahasa Tagalog. Sebelum masuk bioskop, Kidlat belajar di Wharton School Universitas Pennsylvania yang bergengsi, mendapatkan gelar Magister Administrasi Bisnis. Karyanya dikaitkan dengan Third Cinema, sebuah gerakan film yang mencela neo-kolonialisme dan sistem kapitalis. Film-filmnya telah menonjol di festival film di Amerika, Eropa, dan Asia.

Dia sangat dihormati di antara sutradara Werner Herzog dan Francis Ford Copolla, yang keduanya berperan penting dalam membantunya mempresentasikan karya semi-otobiografinya yang paling terkenal Perfumed Nightmare pada tahun 1977. Film ini menggabungkan teknik dokumenter dan esai yang memberikan kritik yang agak lucu namun tajam terhadap kesenjangan sosial antara si kaya dan si miskin di Filipina.

Jika Anda kebetulan berada di Baguio, mampirlah ke kafe artis dan restoran vegetariannya Oh My Gulay, yang terletak di jantung Session Road di lantai lima Gedung La Azotea. Bangunan tua tidak memiliki lift, tetapi perjalanan dan pemandangan yang jauh sepadan. Kafe ini adalah negeri ajaib unik dalam imajinasi Kidlat, yang menampilkan jembatan kayu, kolam ikan biru cerah, lukisan, dan patung asli yang dikelilingi oleh rangkaian tanaman yang sehat. Di Assumption Road, ia menciptakan desa seniman besar-besaran yang terinspirasi oleh kafe pertamanya, yang disebut Ili-likha (atau, untuk membuat), yang harus dilihat sebelum meninggalkan Baguio.

Eduardo Masferré (1909-1995)

Jauh di utara Baguio, di provinsi pegunungan Sagada, Eduardo Masferré lahir dari seorang ibu Filipina dan tentara Spanyol. Dia dianggap sebagai Bapak fotografi Filipina. Dia mendokumentasikan dengan sangat rinci kehidupan sehari-hari penduduk asli Cordilleras. Fotografer otodidak memproses filmnya sendiri di kamar gelap sementara dan bahkan berhasil menghasilkan cetakan tanpa listrik. Foto-fotonya menangkap budaya masyarakat di komunitasnya dan berfungsi sebagai dokumentasi praktik dan ritual adat mereka. Foto-foto Masferré telah menjadi pameran di seluruh dunia. Lembaga Smithsonian membawa setidaknya 120 cetakan karyanya untuk National Museum of Natural History di Washington D.C.

Dia dikenang karena bukunya tentang People of the Philippine Cordillera Photographs 1934-1956, yang diterbitkan pada tahun 1988. Sebuah penginapan dan kafe pedesaan di Sagada dinamai menurut namanya dan layak dikunjungi untuk melihat salinan cetakannya dan membeli suvenir yang dibuat untuk menghormati Masferré.

Agnes Arellano (1949-sekarang)

Terlahir dari keluarga arsitek pria terkemuka, pematung Agnes Arellano terkenal karena karya surealis dan ekspresionisnya dalam plester, perunggu, dan marmer cor dingin. Patung-patungnya menonjolkan tubuh perempuan dan menggambar dari tema seputar seksualitas, agama, dan mistisisme. Meminjam istilah penyair Gerard Manley Hopkins, Agnes mengaitkan karyanya dengan ‘inscapes’, yang menegaskan kesatuan internal di antara berbagai elemen dalam instalasi dan pahatannya. Menggambar dari kematian tragis orang tua dan saudara perempuannya akibat kebakaran rumah pada tahun 1981, karyanya mengeksplorasi tema penciptaan dan kehancuran, dan siklus kehidupan dari lahir sampai mati.

Roberto Chabet (1937-2013)

Terlahir sebagai Roberto Rodriguez, dia menggunakan nama gadis ibunya Chabet ketika dia memulai karirnya di bidang seni. Dia adalah seorang mentor bagi banyak mahasiswa di Universitas Filipina, tempat dia mengajar selama lebih dari 30 tahun, dan diakui sebagai bapak seni konseptual di Filipina. Chabet awalnya belajar arsitektur tetapi instalasi seni konseptual, kolase, dan pahatannya pada 1960-an dan 70-an membuatnya menjadi sosok pemberontak di kancah seni lokal. Dia adalah direktur museum pendiri Pusat Kebudayaan Filipina dari 1967-1970, di mana dia mendirikan Penghargaan Artis 13 yang menyoroti pencapaian seniman muda yang karyanya menunjukkan pandangan kontemporer tentang pembuatan dan pemikiran seni.

Ia menggambarkan dirinya sebagai “penjaga” dan pekerjaannya sebagai “makhluk memori”. Keahliannya yang beragam dalam menggambar, memahat, instalasi, fotografi, seni grafis, dan kolase mempertanyakan modernitas. Karya-karyanya mencerminkan pentingnya ruang dan bagaimana perpindahan benda-benda biasa dapat mengubah maknanya.

Napoleon Abueva (1930-2018)

Tercatat sebagai Bapak patung Filipina Modern, Abueva kuliah di Universitas Filipina bersama Joya dan dibimbing oleh pematung terkenal Guillermo Tolentino, di Sekolah Tinggi Seni Rupa. Lahir di Bohol, ia juga peraih penghargaan Seniman Nasional termuda yang ditunjuk oleh Presiden Marcos pada saat itu, pada usia 46 tahun. Keahliannya terlihat pada beragam bahan seperti kayu keras, tempat tinggal, baja, semen, marmer, dan perunggu.

Abueva mahir dalam representasi tradisional dan bentuk abstrak modern dari patung. Sebuah perjalanan keliling Universitas Filipina akan menunjukkan kepada Anda sejumlah karyanya, seperti University Gateway dan Nine Muses di dekat pusat fakultas lama. Ia juga bertanggung jawab atas relief pahatan marmer yang terlihat pada salib peringatan perang di Mt. Samat, Bataan.

Ini adalah salib tertinggi kedua di dunia dan tertinggi di Asia. Di bawah komisi pemerintah Filipina, Abueva berkolaborasi dengan desainer Lorenzo del Castillo untuk membuat kuil yang memperingati ribuan tentara Filipina dan Amerika yang kehilangan nyawa mereka selama Bataan Death March pimpinan Jepang pada tahun 1942. Pastikan untuk berjalan selama penerbangan tangga di dalam salib untuk mencapai puncak, dan nikmati pemandangan Bataan yang menakjubkan.

Lukisan Jepang memiliki sejarah yang sangat kaya; tradisinya sangat luas, sementara posisi unik Jepang di dunia sangat memengaruhi gaya dan teknik dominan seniman Jepang.

Sudah menjadi fakta umum bahwa Jepang cukup terisolasi selama berabad-abad – bukan hanya karena geografi tetapi juga karena kecenderungan budaya Jepang yang dominan terhadap isolasi yang menandai sejarah negara tersebut.

Selama berabad-abad keberadaan apa yang kita sebut “peradaban Jepang”, budaya dan seni berkembang secara terpisah dari yang ada di seluruh dunia. Dan itu bahkan terlihat dalam praktik melukis Jepang.

Lukisan Nihonga , misalnya, merupakan salah satu produk utama praktik seni lukis Jepang. Ini didasarkan pada tradisi yang berusia lebih dari seribu tahun dan lukisan biasanya dibuat di atas washi (kertas Jepang) atau eginu (sutra), menggunakan kuas.

Namun, seni dan lukisan Jepang juga dipengaruhi oleh praktik artistik asing . Pertama, seni rupa Tiongkok di abad ke-16 dan lukisan Tiongkok serta tradisi seni Tiongkok yang sangat berpengaruh di sejumlah titik.

Pada abad ke-17, lukisan Jepang juga dipengaruhi oleh tradisi Barat. Khususnya pada masa Pra-Perang yang berlangsung dari tahun 1868 hingga 1945, seni lukis Jepang banyak dipengaruhi oleh aliran impresionisme dan romantisme Eropa.

Pada saat yang sama, gerakan seni rupa Eropa baru juga secara signifikan dipengaruhi oleh praktik seni Jepang. Pengaruh ini disebut Japonisme dalam sejarah seni, dan sangat berpengaruh bagi kaum Impresionis, Kubis, dan seniman yang terkait dengan Art Nouveau .

Gulir ke bawah dan lihat 7 Karya Seni Lukis Jepang

Katsushika Hokusai – Impian Istri Nelayan

Salah satu lukisan Jepang yang paling dikenal adalah The Dream of the Fisherman’s Wife . Itu dieksekusi pada tahun 1814 oleh seniman terkenal Hokusai. Jika kita mengikuti definisi yang ketat, karya Hokusai yang menakjubkan ini tidak dapat dianggap sebagai lukisan, karena itu adalah desain ukiran kayu dari genre ukiyo-e dari buku Kinoe no Komatsu , yang merupakan buku tiga jilid shunga erotica.

Komposisinya menggambarkan seorang penyelam ama muda yang terjalin secara seksual dengan sepasang gurita. Lukisan Jepang ini cukup berpengaruh di abad 19 dan 20. Karya tersebut telah mempengaruhi seniman-seniman selanjutnya seperti Félicien Rops, Auguste Rodin , Louis Aucoc, Fernand Khnopff, dan Pablo Picasso .

Tomioka Tessai – Abe-no-Nakamaro Menulis Puisi Nostalgia Saat Melihat Bulan

Tomioka Tessai adalah nama samaran untuk seniman dan penulis kaligrafi Jepang yang terkenal. Ia dianggap sebagai seniman besar terakhir dalam tradisi Bunjinga dan salah satu seniman besar pertama dalam aliran Nihonga.

Tradisi Bunjinga adalah salah satu aliran seni lukis Jepang yang berkembang pada akhir zaman Edo di kalangan seniman yang menganggap diri mereka sastrawan, atau intelektual.

Masing-masing seniman Jepang ini, termasuk Tessai mengembangkan gaya dan teknik mereka sendiri, tetapi semuanya adalah pengagum seni dan budaya Tiongkok.

Fujishima Takeji – Matahari Terbit di Laut Timur

Fujishima Takeji adalah seorang pelukis Jepang, terkenal atas karyanya dalam mengembangkan seni Romantisisme dan Impresionis dalam gerakan seni yōga (gaya Barat) pada lukisan Jepang akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20.

Pada tahun 1905, ia melakukan perjalanan ke Prancis, di mana ia dipengaruhi oleh gerakan Prancis pada masa itu, terutama oleh aliran Impresionisme, yang dapat dilihat pada lukisannya Matahari Terbit di Laut Timur yang dibuat pada tahun 1932.

Kitagawa Utamaro – Sepuluh Studi di Fisiognomi Wanita, Koleksi Kecantikan yang Memerintah

Kitagawa Utamaro adalah seorang seniman dan pelukis Jepang terkemuka yang lahir pada 1753 dan meninggal pada 1806. Ia terkenal karena serialnya yang berjudul Sepuluh Studi dalam Fisiognomi Wanita, Koleksi Kecantikan yang Memerintah, Tema Cinta Besar Puisi Klasik (kadang-kadang disebut Women in Love yang berisi cetakan individual seperti Revealed Love dan Pensive Love ). Dia adalah salah satu seniman Jepang terpenting yang termasuk dalam genre ukiyo-e cetakan balok kayu.

Kawanabe Kyosai – Harimau

Kawanabe Kyosai adalah salah satu seniman Jepang paling terkemuka di zaman Edo. Karya seninya dipengaruhi oleh karya Tohaku, seorang seniman Kano dari abad keenam belas yang merupakan satu-satunya seniman pada masanya yang melukis layar seluruhnya dengan tinta pada latar belakang bubuk emas yang halus. Meskipun Kyosai paling dikenal sebagai karikaturis, ia menciptakan beberapa lukisan paling terkenal dalam sejarah seni Jepang abad ke-19. Tiger adalah salah satu lukisan di mana Kyosai menggunakan cat air dan tinta untuk membuat gambar ini.

Hiroshi Yoshida – Fuji dari Danau Kawaguchi

Hiroshi Yoshida dikenal sebagai salah satu tokoh terpenting dari gaya shin-hanga (shin-hanga adalah gerakan seni di awal abad ke-20 Jepang, selama periode Taishō dan Shōwa, yang merevitalisasi seni ukiyo-e tradisional yang berakar pada Edo dan periode Meiji (abad ke-17 hingga ke-19) Ia dilatih dalam tradisi lukisan cat minyak Barat, yang diadopsi di Jepang selama periode Meiji.

Takashi Murakami – 727

Takashi Murakami mungkin adalah artis Jepang paling populer saat ini. Karya-karyanya dijual dengan harga astronomi di lelang besar, sementara seninya telah menginspirasi seluruh generasi seniman baru, tidak hanya di Jepang, tetapi juga di dunia internasional. Seni Murakami mencakup berbagai macam medium dan umumnya digambarkan sebagai superflat. Karyanya terkenal karena penggunaan warna, penggabungan motif dari budaya tradisional dan populer Jepang. Isi lukisannya sering digambarkan sebagai “imut”, “psikedelik”, atau “satir”.

Seluruh sumber foto diatas dikutip dari http://sbobetcasino.id/, silahkan kunjungi web ini dan berikan apresiasi atas karya mereka.

baca juga artikel kami lainnnya, seperti: Cara Membuat Lukisan Abstrak Ala Profesional.

Bagi banyak orang, istilah ” seni grafis ” mungkin memunculkan gambaran kartun politik era Pencerahan atau mungkin mesin cetak Renaisans, tetapi seni grafis adalah salah satu bentuk seni manusia tertua.

Tidak hanya ukiran pada tulang dan batu yang bertahan dari zaman prasejarah, tetapi desain ukiran telah digunakan untuk mentransfer dan menggandakan gambar sejak 3000 SM, ketika orang Sumeria menggunakan ukiran paku untuk membuat cetakan relief pada tablet tanah liat.

Sementara seni grafis adalah metode kuno untuk mentransfer informasi, seniman telah menyesuaikan dan menyempurnakan teknik selama berabad-abad, menciptakan berbagai jenis cetakan, dibawah ini Anda akan melihat berberapa jenis seni grafis yang sudah dirangkum oleh sebelumnya.

Berikut adalah teknik terbaik yang harus diketahui oleh pecinta seni :

1. Woodcut

Woodcut adalah salah satu jenis seni grafis relief. Meskipun teknik ini telah digunakan di China sejak abad ke-5 M dan merupakan salah satu bentuk seni grafis tertua di dunia, teknik ini tidak mencapai Eropa hingga awal abad ke-14.

Pada abad ke-15, jenis pencetakan yang dapat dipindahkan merevolusi pencetakan, dan potongan kayu kemudian dipopulerkan sebagai cara untuk mengilustrasikan teks.

Dalam metode ini, gambar diukir menjadi kayu dengan pisau atau alat lain.

Balok kayu tersebut kemudian dilapisi dengan tinta, yang hanya menutupi permukaan yang ditinggikan, membiarkan titik ukiran kosong.

Balok kayu kemudian ditekan ke permukaan, seperti kertas, untuk mentransfer desain.

The ukiran kayu telah digunakan oleh berbagai seniman selama berabad-abad, termasuk master Renaissance seperti Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Elder, dan Hans Holbein, seniman Jepang abad ke-18 Hokusai dan Hiroshige, dan 19 dan seniman abad ke-20 seperti sebagai Edvard Munch, Paul Gauguin, Rockwell Kent, Leonard Baskin, dan Carol Summers.

2. Linocut

Teknik membuat linocut mirip dengan membuat potongan kayu, karena pemotongan lino juga merupakan teknik relief.

Namun, bentuk ini muncul pada abad ke-20 ketika seniman seperti Pablo Picasso, John Banting, dan Georg Baselitz mengukir gambar menjadi lembaran linoleum.

Linoleum adalah bahan yang lebih lembut daripada kayu, membuatnya lebih mudah untuk mengukir gambar ke dalamnya daripada kayu.

3. Pengukiran

Seperti halnya ukiran kayu dan linocut, pengukiran memerlukan seniman untuk memotong permukaan yang keras, dalam hal ini desain diukir menjadi pelat logam dengan alat atau asam.

Jenis seni grafis intaglio, dalam ukiran alih-alih menutupi permukaan yang ditinggikan dengan tinta, seniman menutupi seluruh pelat dengan tinta, dan kemudian menyekanya dari permukaan yang ditinggikan sebelum membuat cetakan, hanya menyisakan garis berukir di belakang.

Ini memungkinkan seniman seperti Albrecht Dürer, Francisco Goya, William Hogarth, Lucas van Leyden, dan William Blake untuk menangkap detail yang sangat halus dalam cetakan mereka, tetapi sensitivitas metode ini juga berarti seniman harus tepat saat mengukir gambar.

4. Etsa

Etsa juga merupakan teknik intaglio, tetapi alih-alih mengukir gambar langsung ke logam, seniman menutupi pelat dengan lapisan lapisan tahan asam dan kemudian membuat tanda dangkal pada lapisan tersebut, bukan pada logam.

Pelat kemudian dipernis di bagian belakang dan dimandikan dengan asam, yang hanya akan menggerogoti bagian piring yang belum dilapisi tempat lapisannya terkikis.

Artis dapat bermain dengan tingkat keasaman atau lamanya waktu setiap baris terkena asam untuk mengubah kedalaman dan keunggulan garis.

Pembuat grafis Albrecht Dürer hanya diketahui telah membuat lima etsa dalam hidupnya, namun seniman Italia Mazzola mengadopsi teknik tersebut dan menggunakan arsir silang untuk menciptakan kontras pada abad ke-16.

Pada abad ke-17, bagaimanapun, Rembrandt menjadi ahli etsa yang mampu menangkap kehalusan, atmosfer yang kaya, dan kontras ekstrim dalam pencahayaan dalam cetakannya.

5. Collagraph

Jika linocut dan woodcut membutuhkan seniman untuk menghilangkan material dari permukaan printing, collagraph dibuat dengan menambahkan material collaged ke permukaan, menorehkan plate, dan menekannya pada kertas atau material lain untuk membuat image. Hasilnya adalah desain multi-tekstur.

Teknik ini diciptakan oleh Glen Alps, profesor seni grafis di Universitas Washington pada 1960-an.

6. Aquatint

Dikembangkan pada abad ke-19, aquatint didesain menyerupai cat air.

Mirip dengan etsa, aquatint dibuat dengan melapisi pelat dengan zat — dalam hal ini, damar — dan kemudian mencucinya dengan asam.

Namun, pelat aquatint dipanaskan untuk melelehkan damar ke atas pelat sebelum penangas asam. Asam kemudian mengiris area yang terbuka.

Francisco Goya menggunakan aquatint untuk membuat beberapa seri cetakan, sementara Robert Havell menggunakan teknik tersebut untuk mengilustrasikan Birds of America karya John James Audubon .

7. Litografi

Salah satu teknik seni grafis yang lebih terlibat, ahli litograf menyiapkan sepotong besar batu kapur atau pelat logam dengan menutupi batu atau logam dengan bahan abrasif untuk menghilangkan gambar sebelumnya dan menghaluskan permukaan.

Kemudian, seniman menggunakan krayon atau tinta litografi berbahan dasar minyak untuk menggambar gambar di atas batu atau logam. Gambar “dipasang” ke permukaan batu atau logam dengan bahan kimia.

Ahli litograf kemudian mengoleskan tinta berbahan dasar minyak ke permukaan yang lembab, dan karena air dan minyak tidak bercampur, tinta berminyak hanya menempel pada area gambar yang berminyak tanpa berpindah ke tempat kosong yang dimaksud.

Seniman kemudian menempatkan kertas di atas pelat, dan menggunakan mesin cetak untuk mentransfer gambar.

Henri de Toulouse-Lautrec dikreditkan dengan melambungkan teknik ini ke ketenaran di abad ke-19, tetapi seniman abad ke-20, seperti Marc Chagall, Pablo Picasso, Joan Miró, David Hockney, dan Jasper Johns juga bekerja dengan teknik ini.

Lihat juga Tips Penting Dalam Seni Lukis Abstrak.

Para seniman kemudian membentuk kelompok mereka sendiri, Society for Travelling and Exhibiting Art. Pada akhir 1800-an, konflik menjadi jelas antara tiga gaya seni, idealisme, klasisisme dan realisme ideologis. Realisme kemudian menjadi pusat perhatian hingga akhir 1900-an. Kelompok ini nantinya akan mendedikasikan energi mereka untuk tema-tema populis yang diatur dalam realisme.

Realisme adalah gaya lukisan yang meliputi alam dalam bentuk aslinya. Alam dilukis sebagaimana adanya tanpa objektivitas terhadap sapuan kuas. Ini adalah gaya seni yang agak konservatif. Lukisan-lukisan seni pertama yang digambarkan dalam realisme didominasi dalam tema-tema yang didasarkan pada Klerus Rusia, lanskap, dan kaum tani Rusia.

Seni Abad ke-18: Realisme Ideologis

Masyarakat untuk Bepergian dan Organisasi Seni Pamer dikenal sebagai Peredvizhniki dalam bahasa Rusia. Ini diterjemahkan ke itinerants atau pelancong dalam Bahasa Inggris. Peredvizhniki adalah gerakan yang menyebabkan seni Rusia mengikuti realisme dari pertengahan abad ke delapan belas hingga awal 1900. Tujuan mereka adalah meningkatkan reformasi sosial dan meningkatkan kesadaran nasional.

Artis terkenal lainnya yang meningkatkan realisme termasuk Isaak Levitan, Mikhail Vrubel, Ivan Aivazovsky, Samuel Adlivankin, Abram Arkhipov, Alexey Venetsianov di antara banyak seniman lainnya. Seniman-seniman ini akan melukis potret dan alam dalam bentuk aslinya. Jenis seni yang dihasilkan terinspirasi oleh kehidupan sehari-hari dan kejadiannya. Beberapa lukisan terkenal tahun 1800-an termasuk “Perayaan Kolkhoz”, “Hamparan Biru”, “Tahun 1918 di Petrograd” dan “Stalin dan Voroshirov di Kremlin” di antara lukisan-lukisan lain.

Seni Abad ke-19: Gaya Seni Romantisisme dan Neoklasikisme

Seorang seniman khususnya memiliki dampak besar pada Eropa Barat yang mempengaruhi pembatasan gaya seni. Dia membantu menjungkirbalikkan gaya realisme dan memungkinkan penghargaan untuk romantisme dan gaya neoklasik. Dia membuat lukisan terkenal “The Last Day of Pompeii”. Namanya adalah Karl Briullov, seorang pelukis ulung seni rupa. Lukisan itu dilakukan dengan gaya neoklasik dan romantisme.

Seni Abad 19: Kebangkitan Slavia

Masa kebangkitan Slavia berlangsung sepanjang akhir abad ke-19. Ini adalah periode kebangkitan dalam warisan nasional Rusia dengan seni memperoleh sifat abad pertengahan yang paling mewakili budaya Rusia. Ini memperkenalkan kembali ideologi realisme dengan lebih banyak simbolisme dan keindahan dalam lukisan. Salah satu pelukis terkenal selama periode ini adalah Victor Vasnetsov. Vasnetsov melukis Rusia dalam Sejarah Kievan.

Seni Abad 21: Pandangan sekilas ke Seni Kontemporer Rusia

Seni kontemporer mencakup semua hal yang obyektif. Itu tidak tunduk pada aturan alam dan melampaui imajinasi. Mungkin menggunakan benda-benda abstrak untuk menggambarkan kehidupan dan menggunakan makhluk hidup untuk menggambarkan modernisasi. Seni kontemporer modern dalam arti kata. Ia lahir di Rusia karena mempersonalisasikan seni dan menjauh dari norma-norma Stalin dan budaya soviet. Selama masa pemerintahan Stalin, seni kontemporer dipandang sebagai tindakan menantang.

Ketika Mikhail Gorbachev berkuasa, peraturan berubah dan seni kontemporer dapat dipamerkan di depan umum. Dia memberi seniman kebebasan mereka dan menghilangkan semua batasan yang ditempatkan oleh pemerintah Stalin. Kesenjangan estetika yang sebelumnya membagi non-konformis dan konformis seni menghilang dan kedua dunia menggabungkan seni mereka untuk membuat tema gabungan seni modern.

Seni kontemporer mencakup ikonografi. Ini adalah lukisan ikonik, yang telah lama dalam seni bersejarah tetapi telah dimodifikasi untuk memasukkan potret yang menyatu dengan kehidupan spiritual dan kecenderungan mistik. Ini akhirnya membawa seni ke tingkat yang sama sekali baru dari gaya pluralistik yang telah menyatu menjadi satu gaya utama, gaya seni kontemporer. Salah satu contoh seni kontemporer adalah lukisan George Skripnichenko berjudul “A Man is the Eyes Good” yang dipajang di Museum Seni Kontemporer Rusia.