Karya Lukisan Sedih Paling Terkenal

Karya Lukisan Sedih Paling Terkenal

Melankolis dan kesedihan telah menjadi fokus banyak seniman sepanjang sejarah manusia. Kesedihan adalah emosi yang tampaknya membanjiri jiwa manusia dan mengakibatkan kehancuran umum yang sulit dihilangkan oleh banyak orang sedangkan emosi senang bisa didapatkan ketika bisa memenangkan permainan seperti master slot 88. Seniman telah menggunakan berbagai media untuk mengekspresikan tingkat kesedihan tertentu, dan beberapa dari karya ini telah mendapat pujian luas dari kritikus seni dan cendekiawan selama beberapa abad terakhir. Berbagai lukisan yang berfokus pada kesedihan dan duka sering dipuji secara luas seperti yang menggambarkan kegembiraan dan kegembiraan. Pada artikel ini, kita akan melihat 4 lukisan sedih paling terkenal dan menelusuri peristiwa kehidupan atau pengaruh dari para seniman ini yang membuat mereka menciptakan karya semacam itu.

Melancholy – Edvard Munch

Melancholy – Edvard Munch

Edvard Munch adalah salah satu pelukis paling terkenal di akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Banyak dari karyanya yang paling terkenal berfokus pada berbagai tahap perkembangan emosi yang biasanya dialami manusia sepanjang hidup mereka. Munch dikreditkan dengan menciptakan apa yang oleh kritikus seni disebut sebagai lukisan melankolis paling terkenal dalam sejarah. Karya itu berjudul Melancholy dan selesai pada tahun 1891, yang oleh banyak sarjana disebut sebagai Era Ekspresionisme. Konon inspirasi karya Munch berasal dari hubungan yang tidak bahagia dengan seorang wanita muda dari negara asalnya Norwegia. Lukisan itu sepertinya menggambarkan Munch sendiri sedang melihat ke kejauhan di sepanjang garis pantai. Pantai yang digambarkan dalam lukisan ini konon mirip dengan destinasi populer keluarga Norwegia yang dikenal sebagai pantai Asgardstrand. Beberapa kritikus seni dan sejarawan berpendapat bahwa seniman tersebut memasukkan citra sugestif di dalam pantulan air yang konsisten dengan kehancuran yang dirasakan seniman selama periode ini.

Christina’s World – Andrew Wyeth

Christina’s World – Andrew Wyeth

Andrew Wyeth dikatakan sebagai salah satu seniman paling terkenal yang pernah hidup di abad ke-20. Dia menghasilkan banyak karya yang berfokus pada seperti apa kehidupan bagi banyak warga negara Amerika biasa, seringkali melibatkan kebutuhan akan kerja keras dan perjuangan untuk menghadapi kerasnya ekonomi yang berubah-ubah. Salah satu lukisan Wyeth dianggap sebagai salah satu karya seni paling pedih yang pernah dibuat. Lukisan itu berjudul Christina’s World dan berisi adegan ikonik seorang gadis muda yang duduk di lapangan sambil memandangi sebuah rumah yang sepi di padang rumput. Warna rerumputan, langit, dan rumah yang suram dan suram seolah menyampaikan kesedihan yang dialami gadis kecil itu. Konon gadis dalam lukisan itu sebenarnya adalah kenalan Wyeth yang lumpuh dari pinggang ke bawah. Artis itu terobsesi dengan penderitaan gadis itu, dan merasa perlu untuk mengungkapkan kesepian karena terkurung tinggal di daerah sepi pada waktu paling energik dalam hidup.

Sorrow (also known as The Magdalen) – Paul Cezanne

Sorrow (also known as The Magdalen) – Paul Cezanne

Dikatakan bahwa hanya sedikit seniman yang berpengaruh pada tahap akhir gerakan Post-Impresionis seperti Paul Cézanne. Banyak dari karyanya yang paling menonjol membahas tema-tema religius, berpusat pada kisah-kisah alkitabiah dari Perjanjian Baru. Salah satu lukisan ini menampilkan sosok Maria Magdalena yang terkenal dan berjudul Kesedihan (juga dikenal sebagai Maria Magdalena). Pekerjaan itu diyakini telah selesai pada tahun 1869. Ayah Cézanne membeli sebuah vila di sebuah desa kecil di Prancis pada tahun 1860. Dia mengizinkan putranya yang masih kecil untuk melukis beberapa karya yang kemudian digantung di dinding di dalam vila. Lukisan ini dikatakan menangkap kesedihan yang dirasakan oleh Maria Magdalena, salah satu pengikut terdekat Yesus, sesaat sebelum dia dieksekusi.

Baca Juga : 7 Daftar Lukisan Termahal di Dunia

La Mélancolie – Louis-Jean-François Lagrenée

La Mélancolie – Louis-Jean-François Lagrenée

Louis-Jean-François Lagrenée adalah seorang seniman yang diakui secara luas selama gerakan seni singkat namun populer yang dikenal sebagai periode Rokoko. Seniman itu ahli dalam menggambarkan bentuk manusia dan melakukannya dengan gaya Rococo yang khas, termasuk adegan dengan detail yang rumit. Salah satu lukisan Lagrenée yang sederhana namun menawan dikenal sebagai La Mélancolie. Lukisan rumit ini dianggap sebagai salah satu karya abad ke-18 paling ikonik dengan tema kesedihan dan melankolis. Lukisan tersebut menggambarkan seorang wanita muda berjubah melambai dengan berbagai ornamen di tubuhnya, namun wajahnya terpaku dengan watak sedih. Ekspresinya adalah salah satu yang paling berkesan dari lukisan-lukisan sedih ini, karena tampaknya merangkum kekhidmatan yang sering menyertai kesedihan yang mendalam.

7 Daftar Lukisan Termahal di Dunia

Lukisan termasuk karya seni yang mempunyai nilai menurut pg soft. Beberapa karya seni tenar di dunia berada di museum atau koleksi pribadi. Harga satu lukisan dapat bervariasi yangdipasarkan ke kolektor. Lukisan termasuk karya seni yang dibeli kebanyakan orang. Kolektor lukisan lebih menyenangi lukisan karya maestro ternama. Kian tenar sang maestro karenanya harga lukisan yang diciptakan kian mahal.

Lukisan Termahal di Dunia

Lukisan Termahal di Dunia Berikut daftar lukisan termahal di dunia yang dipasarkan, mengutip dari pgsoft:

1. Salvator Mundi karya Leonardo Da Vinci

Lukisan termahal di dunia yang dipasarkan dengan harga fantastis merupakan Salvator Mundi. Lukisan karya Leonardo Da Vinci ini dipasarkan sekitar US$ 450,3 juta atau Rp 6,4 triliun (kurs 14.232). Lukisan ini membuktikan Yesus Kristus yang sedang mengontrol bola kristal. Lukisan ini dihasilkan dikala Raja Louis XII dari Perancis, jangka waktu yang sama dengan pembuatan Mona Lisa.Lukisan ini sempat sirna antara tahun 1763 dan 1900. Hingga alhasil seluruh catatan dan penemuan kreatif lukisan ditemukan di tahun 2005, oleh pedagang seni Inggris. Lukisan Salvator Mundi memerlukan waktu 6 tahun untuk ditelusuri keautentikannya. Hingga hasilnya lukisan hal yang demikian memang diciptakan Leonardo Da Vinci.

2. Trade karya Willem de Kooning

Lukisan tenar karya Willem de Kooning tahun 1955 berada di urutan kedua. Willem terinspirasi dari lingkungan kota New York. Lukisan Trade terjual dengan harga hampir $300 juta atau senilai dengan Rp 4,2 Triliun tahun 2015. Trade adalah lukisan gaya absurd-ekspresionis. Lukisan termahal kedua ini bisa diamati di Craftsmanship Establishment of Chicago, Amerika Serikat.

3. The Players – Paul Cézanne


Lukisan hasil karya Paul Cézanne terjual dengan harga $250 juta atau senilai dengan Rp 3,5 Triliun. Lukisan ini diciptakan tahun 1893 oleh Paul Cézanne . The Players hasil Paul terjual pada tahun 2011 dan dibeli oleh keluarga kerajaan Qatar.

4. Nafea Faa Ipoipo – Paul Gauguin


Lukisan dua orang wanita karya Paul Gauguin berada di peringkat keempat dibawah lukisan The players. Lukisan ini dihasilkan. Saat Paul menjalankan perjalanan pertamanya di Tahiti. Nafea Faa Ipoipo membuktikan wanita yang tinggal di pulau hal yang demikian. Dalam bahasa Indonesia, judul lukisan ini artinya “kapan anda mempunyai keluarga?” Ada yang pernah menawar Lukisan hasil Paul ini dan terjual dengan harga $210 juta atau senilai dengan Rp 2,9 Triliun.

5. Number 17A – Jackson Pollock


Lukisan absurd karya Jackson Pollock terjual seharga $200 juta atau Rp 2,8 Triliun, sebagai koleksi pribadi. Lukisan Number 17A diciptakan tahun 1948 oleh Jackson. Anda dapat memandang karya lukisan absurd Jackson Pollock yang lain di Gallery of Present day Workmanship (MOMA) New York.

BACA JUGA : INILAH MENGAPA DUNIA MEMBUTUHKAN SENIMAN

6. Pendant Representations of Maerten Soolmans and Oopjen Coppit


Lukisan sepasanag pasangan ini terjual seharga US$ 195 juta atau Rp 2,7 triliun. Lukisan karya Rembrandt ini menampilkan pasangan Soolmans and Coppit dalam busana hitam dan putih. Lukisan ini diciptakan tahun 1.634 dikala pasangan menikah. Berdasarkan ahli seni dan sejarawan, kedua lukisan ini seharusnya ditampilkan bersama dan tak terpisah. Alhasil lukisan dibeli oleh Louver dan Rijksmuseum di tahun 2015. Sebelumnya dipasarkan, kedua lukisan ini milik keluarga Rothschild.

7. No. 6 (Violet, Green and Red) – Imprint Rothko


Lukisan seni kontemporer karya Imprint Rothko terjual seharga $186 juta atau 2,6 triliun rupiah. Lukisan No.6 ini tenar sebab masuk dalam 36 karya Bouvier Undertaking.

5 Seniman Milenial Luar Biasa untuk Ditonton

5 Seniman Milenial Luar Biasa untuk Ditonton

Bukan rahasia lagi bahwa para pedagang seni, kolektor, kritikus, dan kurator selalu berburu untuk menemukan seniman-seniman baru yang ditakdirkan untuk kejayaan. Meskipun tidak ada daftar yang pernah selesai, tentu saja, Artnet News telah mempersempit pencarian, dengan fokus pada 5 seniman pendatang baru pilihan IONCASINO yang lahir setelah tahun 1980, banyak di antaranya sudah dijebak oleh kolektor yang cerdas. Apakah Anda melihat karya mereka di antara lorong-lorong di pameran atau selama kunjungan galeri, daftar abjad seniman yang harus diperhatikan akan memandu Anda ke generasi berikutnya saat mereka naik ke puncak.

Max Brand (lahir 1982)

Seniman-musisi yang berbasis di Berlin Max Brand (karya gambar di atas) menggunakan berbagai media termasuk cat semprot, kapur, dan spidol untuk membuat kanvas berlapis-lapis yang berwarna-warni. Dengan memanfaatkan beragam pengaruh, termasuk Ekspresionisme Jerman hingga anime Jepang, kanvas Brand menjadi sangat dicari. Pada tahun 2012, seniman tersebut melakukan debut pertunjukan solo AS pertamanya di MoMA PS1 . Tahun lalu, Brand berada di pertunjukan dua orang dengan bintang yang sedang naik daun Lena Henke di Off Vendome , dan dia saat ini berada dalam pertunjukan kelompok di Tomorrow Gallery , di mana dia telah melukis mural khusus situs.

Li Liao (lahir 1982)

Li Liao (lahir 1982)

Banyak pengunjung mengabaikan pekerjaan yang tenang di New Museum Triennial tahun ini , karena sayangnya diposisikan di sebelah shower spectacle DIS di lantai dasar ruang (lihat Apakah Museum Baru Triennial Bagian dari Masalah atau Bagian dari Solusi? ). Namun, pesan dari karya seniman China Li Liao, berjudul Konsumsi, terdengar keras dan jelas. Seniman konseptual berusia 33 tahun itu bekerja di pabrik Apple di Shenzhen, Cina, selama 45 hari, yang merupakan waktu yang dibutuhkan untuk mendapatkan iPad dengan gajinya. “Selama Anda melek huruf tanpa masalah fisik yang signifikan, Anda akan dipekerjakan,” kata seniman itu kepada New Yorker. Karya seni Li, yang meliputi seragam pabrik, lencana, dan iPad, adalah komentar yang sangat dibutuhkan tentang tingginya biaya produk mewah, yang dibuat dengan tenaga kerja murah.

Aleksander Hardashnakov (lahir 1982)

Pada tahun 2011, bersama dengan sesama seniman Hugh Scott-Douglas dan dealer Tara Downs, Aleksander Hardashnakov mendirikan Tomorrow Gallery di Toronto; pada tahun 2014, Downs mengambil kepemilikan penuh dan memindahkan ruang tersebut ke Lower East Side New York. Untuk pertunjukan Tomorrow Gallery terbarunya, sang seniman membuat instalasi khusus lokasi yang menggabungkan lukisan kecil yang menutupi soket outlet, lampu, dan struktur baja. Hardashnakov saat ini sedang dalam pertunjukan dua orang dengan seniman Darja Bajagi di ruang proyek Croy Nielson (lihat Mengapa Darja Bajagić Menyesuaikan Porno dan Seni Pembunuh Berantai ). Karya seniman otodidak kelahiran Kanada ini membangkitkan rasa nostalgia, romansa, dan misteri.

Yngve Holen (b. 1982)

Untuk pertunjukannya di Galerie Neu , seniman Norwegia yang berbasis di Berlin, Yngve Holen, membungkus kain mesh (hitam, putih, dan hijau neon) ke dalam casing pemindai CT dari Siemens, barang-barang yang biasanya disediakan untuk keperluan medis riset. Banyak orang sezamannya berurusan dengan teknologi dan implikasinya pada masyarakat, tetapi karya Holen hampir nihilis, mengeksplorasi gagasan tentang kerentanan individu dan keabadian. Untuk pertunjukannya di Amsterdam, sang seniman memamerkan benda-benda domestik yang dipotong menjadi dua seperti pendingin air dan mesin kopi, menghilangkan fungsinya, menggunakan ide-ide yang dikemukakan oleh para pendahulu Dadaismenya. Holen juga pernah berpameran di Bergen Kunsthall di Norwegia dan Bonner Kunstverein di Jerman.

Piotr Lakomy (b. 1983)

Karya baja minimalis seniman Polandia Piotr Lakomy membangun citra baru arsitektur dan lingkungan perkotaan. Terlepas dari estetika yang keras, karya Lakomy tetap ringan dan intim. Misalnya, Need Room adalah patung styrofoam yang terletak di sudut dan berbentuk seperti kubus rubik granit yang hilang sepotong. Tiga bola lampu kecil menempati bagian yang hilang, ditempatkan seolah-olah sedang mengobrol. Seniman yang berbasis di Poznan, yang terlihat di galeri yang berbasis di London Stan The Sunday Painter di Art Basel di Miami tahun lalu, baru-baru ini ditampilkan dalam pertunjukan kelompok di Museum Seni Modern Warsawa dan saat ini dalam dua orang pertunjukan di Hester. (lihat Pameran Seni NADA Adalah Yang Paling Menyenangkan di Miami ).

Lihat juga: 16 Alat Seni Penting Untuk Seniman.

Inilah Mengapa Dunia Membutuhkan Seniman

Inilah Mengapa Dunia Membutuhkan Seniman

Saat ini menurut ion casino indonesia , meniti karir di industri kreatif membutuhkan perspektif artistik, keterampilan teknis, dan jiwa wirausaha. Secara statistik, semakin banyak dari kita menjadi pekerja lepas (beberapa penelitian bahkan memprediksi pekerja lepas akan menjadi mayoritas tenaga kerja kita dalam satu dekade). Itu berarti kami mencari nafkah dari klien, proyek, dan aliran pendapatan yang berbeda. Itu berarti kami mengatur waktu kami sendiri, menjual produk, meminta layanan, dan melakukan semua yang kami bisa untuk membayar tagihan.

Tapi apa arti lanskap yang berubah ini bagi dunia kreatif? Apa artinya bagi sebuah industri ketika jalur menuju stabilitas ekonomi dan karier yang sukses tidak jelas? Jawabannya berlumpur dan bervariasi antar profesi. (Jika Anda telah mengikuti kolom ini sama sekali, Anda tahu apa yang saya maksud.)

Jadi, minggu ini, saya menyelam jauh ke dalam keberlanjutan kreatif dalam dunia seni melalui mata Sharon Louden. Louden adalah seorang seniman, penulis, dan advokat seni, dan baru-baru ini saya merasa senang bekerja dengannya selama tur bukunya di Austin untuk “Artist as Culture Producer: Living and Sustaining a Creative Life.” Sebagai bagian dari karya yang lebih besar, “Artis sebagai Produser Budaya” mengeksplorasi berbagai cara seniman modern memenuhi kebutuhan hidup. Dalam buku tersebut, Louden membagikan esai oleh 40 profesional kreatif, masing-masing dengan rajin menghasilkan karya pribadi dan berorientasi komunitas. Dari pengembangan komunitas kreatif di padang pasir untuk menciptakan residensi seniman yang sangat kondusif untuk menjadi ibu, kisah setiap seniman adalah bukti ketahanan dan demonstrasi sumber daya yang dibutuhkan untuk menavigasi industri saat ini.

Di atas nasihat karir praktis, buku ini juga memperdebatkan nilai tempat seorang seniman dalam komunitas kita. Publikasi ini melukiskan seniman sebagai produsen budaya, pemecah masalah yang kreatif dan harapan untuk dunia yang lebih baik. Setelah berpartisipasi dalam dialog publik tentang karya Louden dan membaca esai, saya harus mengatakan bahwa saya setuju. Jika seniman berada di garis depan pembangunan komunitas, pemikiran kritis, dan produksi budaya, kami pasti dapat menggunakan lebih banyak lagi.

Untuk mengeksplorasi sentimen ini, Louden dan saya menelepon untuk mengobrol tentang misi dan tema menyeluruh buku, serta apa artinya menjadi seorang seniman di abad ke-21. Baca wawancara lengkapnya di bawah ini.

Jane Claire Hervey: Pertanyaan dasar dan sederhana—siapa Anda dan apa yang Anda lakukan?

Jane Claire Hervey Pertanyaan dasar dan sederhana siapa Anda dan apa yang Anda lakukan

Sharon Louden: Saya seorang seniman, seorang advokat untuk seniman dan editor dari serangkaian buku yang diharapkan dapat memberdayakan dan menginformasikan siapa seniman saat ini. Serial ini sejauh ini mencakup “Living and Sustaining a Creative Life: Essays by 40 Working Artists,” dan “Artist as Culture Producer: Living and Sustaining a Creative Liv.

Hervey: Apakah Anda terkejut dengan wawancara yang Anda kumpulkan di buku?

Louden: Saya tidak terkejut. Namun, tanggapan terhadap buku itu—keduanya—sangat menarik. Saya lebih heran bagaimana seniman tradisional berpikir tentang dunia seni, dan saya juga sedih bahwa masyarakat umum masih berpikir bahwa seniman sama seperti Vincent Van Gogh, tetapi Van Gogh meninggal pada tahun 1890. Mistisisme seorang seniman masih ada. dalam pikiran orang. Mistisisme dunia seni rupa masih ada di benak seniman, jadi dengan mengungkapkan kebenaran, saya berharap kita dapat mengubah persepsi itu dan dengan demikian memberdayakan diri kita sebagai seniman dan menjadi lebih terlihat oleh publik.

Hervey: Apakah komunitas dan visibilitas merendahkan seni—dengan membongkar mitos yang dianggap menambah nilai?

Louden: Sama sekali tidak. Saya mengetahui fakta ini dengan mengunjungi banyak, banyak kota baik dalam tur maupun bertemu ribuan orang—sebagian besar adalah seniman. Seniman perlu berbagi sumber daya, peluang, dan validasi. Lebih banyak visibilitas berarti lebih banyak nilai dalam hal ini. Seniman telah distereotipkan sebagai berada di dalam lubang, di dalam gua, dan bahwa kita tidak pernah keluar kecuali kita mengadakan pameran dan kemudian kita kembali ke lubang kita—saya tidak percaya itu lagi. Saya pikir itu hanya salah satu bagian dari ekosistem.

Baca juga artikel berikut ini : 5 Hal Yang Harus di Ketahui Sebelum Menjadi Seniman

5 Hal Yang Harus di Ketahui Sebelum Menjadi Seniman

5 Hal Yang Harus di Ketahui Sebelum Menjadi Seniman

Berikut adalah daftar lima hal yang saya harap saya ketahui sebelum menjadi seniman atau ilustrator. Kadang-kadang tampak menakutkan untuk mempelajari keterampilan baru, seperti media seni baru. Saya harap daftar ini dapat membantu artis mana pun, pada tingkat keahlian apa pun. Setelah pergi ke sekolah untuk belajar seni dan desain, dan setelah mengajar Seni di Sekolah Menengah, saya menyadari ada beberapa hal yang ingin saya ketahui sejak awal dalam karir seni saya.

1 – Buat Saat Anda Tidak Merasa Kreatif

Mayo Oshin berkata bahwa “Amatir menunggu untuk merasa terinspirasi. Profesional tetap pada jadwal. ” Saya biasa menunggu sampai saya merasa terinspirasi sebelum mengambil pensil, kuas, atau pena. Saya telah belajar bahwa lebih penting untuk melatih keterampilan saya sesering mungkin, bahkan ketika saya tidak merasa kreatif. Seringkali ketika saya memaksakan diri untuk mengambil bahan seni saya, saya mendapatkan inspirasi saat saya membuat. Ketika saya memaksakan diri untuk menciptakannya terkadang menjadi mengerikan, dan tidak apa-apa. Saya telah memainkan beberapa instrumen yang berbeda dan apapun instrumennya, saya selalu harus berlatih. Seni sangat mirip, penting untuk melatih seni Anda. Menempel pada jadwal telah memaksa saya untuk menciptakan lebih banyak seni, dan seni yang lebih baik. Dengan memaksakan diri untuk melakukan seni sesuai jadwal, saya berlatih melakukan seni dan berlatih menjadi kreatif.

Menjadi Berbeda itu Baik

2 – Menjadi Berbeda itu Baik

Sangat menggoda untuk mencoba membuat karya seni yang terlihat seperti karya orang lain. Orang lebih cenderung membeli karya Anda, mengikuti akun instagram Anda, dan membagikan karya Anda dengan orang lain JIKA karya Anda unik. Saya telah membuat beberapa karya yang sejujurnya membuat saya malu pada awalnya. Saya biasa membandingkan karya seni saya dengan orang-orang di sekitar saya di kelas dan online. Saya akhirnya menyadari bahwa orang-orang menyukai karya saya – karya SAYA – dan gaya seni yang saya ciptakan. Saya mencoba untuk tidak membandingkan diri saya dengan orang lain karena kita semua menciptakan secara berbeda, dan itu adalah hal yang baik.

3 – Seni Butuh Kerja

Saya pikir menjadi seniman yang baik adalah sesuatu yang dilahirkan seseorang. Seperti anak-anak di sekolah dasar yang secara alami tampak pandai mewarnai atau menggambar. Saya pikir beberapa orang memang memiliki bakat alami dan saya tidak mencoba untuk mengatakan bahwa itu tidak ada. Apakah saya memiliki 8 jam sehari untuk menggambar lurus, dan waktu melukis, 5 hari seminggu? Tidak, saya seorang ibu dari balita yang sibuk dan saya menghabiskan sebagian besar waktu saya untuk memastikan dia bahagia, diberi makan, dan tidak menghancurkan dirinya sendiri atau rumah kita. Berbaik hatilah pada diri sendiri, dan jika Anda tidak dapat menghabiskan waktu berjam-jam sehari untuk mengembangkan keterampilan Anda, itu tidak masalah, mungkin perlu waktu lebih lama untuk menciptakan jenis seni yang ingin Anda ciptakan.

4 – Gunakan Bahan yang Tepat

Baru-baru ini saya membeli sebuah buku sketsa berdasarkan rekomendasi dari seorang seniman yang saya cintai dan sangat saya hormati. Dia menggunakannya untuk membuat sketsa dengan guas, jadi saya pikir saya akan mencobanya. Saya telah menggunakannya selama beberapa hari sekarang dan saya telah menggunakan cat air di atasnya, dan itu MENGERIKAN. Saya pikir karena orang lain menggunakan buku sketsa dengan guas itu akan bekerja dengan cat air juga. Sebaliknya, saya menjadi sangat frustrasi karena cat air saya tidak bereaksi seperti yang saya inginkan. Bahan lama seperti botol cat akrilik bekas bisa menggumpal dan bukannya halus sehingga menyulitkan untuk mendapatkan detail yang halus. Menggunakan kertas tipis FAFAFA yang tidak dimaksudkan untuk cat dapat melengkungkan halaman dan tidak membiarkan cat masuk ke permukaan dengan benar. Melakukan sedikit riset untuk kuas, pensil, pena, cat, dll yang tepat dapat membantu mempelajari media baru tanpa banyak frustrasi.

Memanfaatkan Berbagai Sumber Daya Untuk Belajar

5 – Memanfaatkan Berbagai Sumber Daya Untuk Belajar

Saya sangat percaya untuk menjadi pembelajar seumur hidup. Ada begitu banyak cara untuk mempelajari cara membuat seni, dan itu bisa datang dalam berbagai bentuk selain sekolah. Saya belajar banyak dari kelas seni saya di sekolah karena sangat membantu untuk memiliki tugas dan instruktur yang bisa memberi saya umpan balik satu lawan satu. Saya juga mencoba banyak gaya dan media yang tidak akan pernah saya coba jika bukan karena kelas seni inti saya saat mendapatkan gelar seni saya. Tidak mampu waktu atau uang untuk kelas kuliah? Anda masih bisa belajar dan mengembangkan keterampilan kreatif. Jujur saja di sini, saya bisa mempelajari hampir semua hal di internet. Jika Anda tidak tahu gaya apa yang Anda miliki, lakukan inventarisasi cepat barang-barang di sekitar Anda (pakaian favorit, dekorasi rumah, papan pinterest) dan temukan hal-hal yang mirip dengan Anda. Kemungkinannya adalah, melihat hal-hal yang membuat Anda bahagia dapat membantu Anda menemukan dan mengembangkan gaya Anda sendiri. Gaya Anda juga akan terus berubah dan tumbuh seiring Anda mengembangkan keterampilan dan terus belajar.

Saya berharap kelima hal ini dapat membantu setiap seniman untuk belajar, tumbuh, dan mencintai karya yang mereka buat. Saya pikir siapa pun bisa menjadi seniman jika mereka mau meluangkan waktu, energi, dan dedikasinya. Saat Anda belajar dan tumbuh, Anda akan membuat hal-hal yang menyebalkan – seperti, sangat menyebalkan – dan itu normal. Mudah-mudahan, Anda juga akan membuat hal-hal yang Anda sukai. Beri waktu. Jangan menilai pekerjaan terburuk Anda dengan pekerjaan terbaik seseorang. Teruskan, terus berkreasi dan Anda akan mulai maju. Bersabarlah dengan proses dan jangan menyerah. Semoga sukses dalam petualangan artistik Anda!

16 Alat Seni Penting Untuk Seniman

16 Alat Seni Penting Untuk Seniman

Alat seni yang tepat dapat memberi Anda kebebasan untuk mewujudkan visi artistik Anda. Inilah 16 item yang harus dimiliki setiap artis.

Jika Anda bersiap untuk menyiapkan ruang kerja Anda sendiri, ada pilihan alat seni yang Anda perlukan untuk memulai. Apakah Anda ingin membuat karya baru dengan pensil terbaik Anda, atau sekadar mengerjakan teknik melukis Anda, alat ini akan membantu Anda. Dapatkan inspirasi dari situs https://www.playtechslot.club/ jika Anda ingin melakukan design online.

01. Pensil

Kayu dan mekanik, Staedtler, Derwent dan Pentel, pensil adalah alat seni yang penting untuk kreatif. Temukan merek yang Anda sukai untuk bekerja sama dan pastikan Anda selalu memiliki pilihan yang berkualitas dan bervariasi.

02. Penghapus

Seperti pensil, tidak ada tempat kerja seniman yang lengkap dengan penghapus. Dempul lunak ini akan menghilangkan grafit dari sebagian besar permukaan – alat seni yang penting jika kita pernah melihatnya!

03. Pena

Jika Anda lebih suka bekerja dengan pena, pastikan Anda memiliki beragam pilihan merek yang Anda sukai untuk bekerja dengannya. Ada ribuan merek pena untuk dipilih, Faber-Castell, misalnya, memiliki pilihan yang menarik.

04. Kertas dan buku sketsa bersampul tebal

Baik Anda sedang mengerjakan karya untuk portofolio desain Anda atau desain logo baru, buku sketsa adalah alat seni. Jika Anda mencari yang baru, kami memiliki banyak pilihan buku sketsa untuk materi iklan, salah satunya pasti akan memenuhi kebutuhan Anda.

05. Kertas cat air

“Saya menggunakan hot press satin halus Langton untuk sebagian besar pekerjaan saya,” kata seniman Dave Kendall. “Meskipun kertas cat air yang halus bisa digunakan.”

06. Masonit

Banyak seniman lebih suka melukis di papan masonite. Ini dapat dengan mudah dibeli dan dipotong sesuai ukuran dari pedagang kayu atau perangkat keras.

07. Kanvas

Titik awal dari mahakarya Anda berikutnya, bukan? Papan kanvas dapat dibeli siap atau dibuat khusus dari sebagian besar toko seni. Dengan waktu dan pengalaman Anda akan dapat membuat sendiri.

08. Tongkat Mahl

Tongkat Mahl (atau pelukis) adalah tongkat dengan kulit lembut atau kepala empuk, digunakan oleh pelukis untuk menopang tangan yang memegang kuas. Ini banyak tersedia dari toko seni, atau Anda dapat mengikuti video di atas dan membuatnya sendiri.

09. Akrilik

Serbaguna, bersemangat, dan terjangkau, akrilik dapat dicat pada apa saja. “Liquitex dan Finity dari Winsor dan Newton adalah merek yang paling sering saya gunakan,” komentar Kendall.

10. Minyak

Jika Anda ingin memulai atau lebih suka melukis dengan minyak, ada banyak pilihan yang tersedia dari yang tradisional hingga yang cepat kering dan dapat dicampur dengan air.

11. Cat air

Cat air adalah media serbaguna dan fleksibel yang dapat menghasilkan berbagai hasil. Mereka datang dalam tabung dan sebagai versi kue kering.

12. Tinta

Tinta adalah alat seni terbaik untuk dimiliki sebagai bagian dari koleksi Anda. Bagus untuk menambahkan warna cemerlang, dan berguna untuk kaca jika warna dramatis diperlukan.

13. Kuda-kuda

Ada banyak jenis kuda-kuda yang tersedia. Pilihan Anda harus didasarkan pada berapa banyak ruang dan uang yang harus Anda keluarkan.

14. Palet

Ubin, piring, palet tetap basah untuk akrilik dari Winsor & Newton dan Daler-Rowney dan palet kayu tradisional untuk minyak.

15. Kuas

Memilih kuas cat untuk proyek Anda berikutnya tidak selalu merupakan keputusan yang mudah. Lagi pula, efek yang berbeda memerlukan alat yang berbeda sehingga sulit untuk mengetahui mana yang harus digunakan. Jika Anda kesulitan menggunakan kuas cat yang mana, hal terbaik yang harus dilakukan adalah mencoba berbagai bentuknya. Ingat, butuh waktu untuk terbiasa dengan berbagai bentuk. Latihan membuat sempurna.

16. Pernis

Untuk melestarikan lukisan minyak Anda, Anda akan memerlukan pernis gambar akhir. Gloss dan matte tersedia dari berbagai penyedia untuk tujuan ini.

Hal Yang Dapat Dipelajarin Dari Seni

Hal Yang Dapat Dipelajarin Dari Seni

Seni adalah cara untuk mengekspresikan keindahan, emosi, dan perasaan, yang dapat membantu kita memahami dunia yang kita tinggali. Jerome Stolnitz berpendapat bahwa seni tidak dapat menghasilkan kebenaran atau pengetahuan, tidak seperti sains dan matematika.

Orang Yunani kuno memiliki argumen yang hebat tentang hal ini. Plato berpikir seni sastra hanya berguna dalam mengaduk emosi kita dan pemanjaan berlebihan dapat menyebabkan ketidakseimbangan tertentu. Aristoteles menganggap seni penting dalam memberikan katarsis emosional tertentu sehingga kita dapat membantu diri kita sendiri untuk datang untuk berdamai dengan emosi tragis Dia melihatnya sebagai jauh lebih bermanfaat.

Mari kita lihat hal-hal yang dapat Anda pelajari dari seni

1. Seni dapat membantu kita menjadi kreatif

Seni dapat membantu kita menjadi kreatif

Kita mungkin melihat lukisan di galeri Maxbet atau sekadar mengambil foto matahari terbenam. Ini semua adalah ekspresi seni. Mereka memunculkan kreativitas dalam diri kita. Kita mungkin ingin menggambar sesuatu atau bermain-main dengan berbagai aplikasi di ponsel untuk mengubah foto sederhana menjadi sesuatu yang orisinal dan indah. Anda dapat bermain-main dengan efek gelembung, impresionisme monet, spiral berseni, atau menambahkan kata. Ya, ada aplikasi untuk itu dan banyak lagi!

2. Musik dapat mengangkat Anda

Jika Anda memainkan alat musik, Anda memiliki begitu banyak kesempatan untuk mengekspresikan suasana hati Anda. Bahkan hanya bermain-main dengan gitar dapat menjadi terapi. Anda dapat memilih untuk mendengarkan musik rock, rap, atau simfoni klasik. Studi menunjukkan bahwa mendengarkan musik upbeat benar-benar bermanfaat. mempengaruhi suasana hati Anda secara positif.

3. Menulis sebagai terapi

Ketika saya masih remaja, saya ingin mengungkapkan beberapa pemikiran melalui puisi jadi saya mengirim beberapa puisi ke penerbit. Sayangnya, ditolak. Surat penolakan menyatakan bahwa “akan ada sedikit permintaan untuk karya ini di pasar umum.” Karir saya sebagai penyair berakhir di sana, tetapi saya terus menulis artikel, fiksi, dan buku harian sepanjang hidup saya. Menulis memungkinkan saya untuk mengungkapkan trauma emosional dan frustrasi lainnya. Itu adalah katup pengaman. Bahkan jika Anda tidak pernah menulis cerita atau puisi, menulis menurunkan pikiran dan perasaan Anda adalah terapi yang hebat.

4. Lukisan dapat merangsang rasa ingin tahu

Lukisan dapat merangsang rasa ingin tahu

Mari kita lihat lukisan At the Moulin Rouge (1892/5) karya Henri de Toulouse-Lautrec. Lukisan itu dapat merangsang rasa ingin tahu tentang kehidupan malam di Paris abad ke-19, adat istiadat sosial yang sedang digemari saat itu, fashion, kehidupan Toulouse-Lautrec dan kesulitannya yang disebabkan oleh perawakannya yang luar biasa pendek. Semakin kita mencari tahu, semakin kita ingin membaca dan menemukan seperti apa kehidupan di Paris saat itu.

5. Setiap karya seni akan membantu kita menghargai keindahan

Mungkin patung, lukisan, matahari terbenam, puisi, cerita. Apapun itu, kita harus mencoba dan memikirkannya karena ada keindahan di sini. Kita bisa kehilangan beban emosional kita dan tersesat dalam kontemplasi dan keajaiban keindahan itu.

6. 100 hal yang harus kamu lakukan sebelum kamu mati

Anda tahu serialnya. Ada film, tempat untuk dilihat, hal untuk dimakan, buku untuk dibaca, museum untuk dikunjungi. Daftarnya sepertinya tidak ada habisnya dan banyak yang harus kita lewati. Idenya bagus karena terus-menerus mengingatkan kita tentang kesenjangan dalam pengetahuan dan budaya kita. Ini adalah cara yang bagus untuk menciptakan koneksi saraf di otak kita dan menjaga pikiran kita tetap waspada. Ini juga merupakan cara yang bagus untuk meningkatkan kesadaran kita akan keindahan di sekitar kita.

Info lainnya : Apa yang Akan Dibayar Para Kolektor Miliarder untuk Seni “Tak Berharga” di Museum AS

7. Menggali dan mencari jawaban

Menggali dan mencari jawaban

Terlalu sering dalam hidup, ada banyak masalah yang bisa memiliki lebih dari satu solusi. Ini adalah pengalaman artistik yang mengajarkan Anda untuk mengeksplorasi emosi Anda dan menggunakan penilaian Anda. Poin-poin ini dirangkum dengan indah dalam poster yang ditulis untuk sekolah oleh Profesor Stanford Elliot Eisner. Dia sangat percaya bahwa pendidikan seni adalah salah satu kunci penting untuk pembelajaran siswa. Poster berjudul 10 Pelajaran Seni Mengajar.

Alat dan Kanvas Terbaik untuk Lukisan Media Campuran

Alat dan Kanvas Terbaik untuk Lukisan Media Campuran

Lukisan media campuran menawarkan sistem seni yang sangat fleksibel yang dapat menggabungkan satu atau banyak hasrat artistik yang di review oleh situs spadegaming slot indonesia, mulai dari menggambar dan melukis, hingga kolase dan komposisi.

Cara terbaik untuk memulai karya seni media campuran adalah dengan mengumpulkan sumber daya dan materi Anda. Karena ada begitu banyak pilihan dalam hal sumber daya dan bahan, langkah ini saja bisa sedikit berlebihan. Ada untuk bekerja dengan itu Anda dapat melakukannya dalam beberapa cara, tergantung pada temperamen artistik Anda:

Letakkan semua yang Anda miliki di atas meja dan menjadi liar dengan kemampuan untuk memahami, menambahkan, dan mengubah apa pun yang tampaknya dibutuhkan atau dapat digunakan lukisan Anda.
Buat konsep untuk lukisan Anda dan batasi diri Anda pada beberapa bahan yang paling sesuai dengan lukisan dan suasana hati yang ingin Anda wujudkan.

Pada akhirnya, tergantung pada bagaimana Anda suka bekerja, ada beberapa alat yang sangat diperlukan yang harus Anda kumpulkan sebelum Anda dapat memulai pekerjaan Anda. Selain menentukan jenis media seni yang mungkin Anda gunakan, Anda juga memerlukan substrat dan perekat yang menahan jenis objek atau bahan yang dimaksudkan untuk kolase Anda.

Jika Anda masih mencari alat dan kanvas yang tepat untuk memulai, berikut adalah beberapa yang membantu kami mengalirkan kreativitas kami.

ALAT MEDIA CAMPURAN

Anda tidak membutuhkan semua alat di dunia. Meskipun ada banyak variasi yang tersedia, Anda mungkin hanya membutuhkan beberapa alat untuk setiap bagian. Akhirnya. terserah Anda dan gaya artistik Anda untuk memilih alat yang paling sesuai dengan konsep dan tema karya tersebut.

Perlengkapan Seni Favorit Anda

Media campuran memungkinkan Anda untuk menggabungkan media seni favorit Anda, menambahkan media kering ke media basah atau sebaliknya. Ini memberi Anda banyak kebebasan untuk bereksperimen dengan cara media favorit Anda berinteraksi.

Media artistik yang paling umum digunakan dalam lukisan media campuran meliputi:

  • Akrilik
  • Cat air
  • Tinta
  • warna pastel
  • Pensil Grafit, Pensil warna, dan Pensil Cat Air
  • Postermarker dan Spidol permanen
  • Liner halus atau pena Kuas
  • BAHAN KOLASE, GUNTING, DAN PEREKAT

Gunting adalah alat yang sangat diperlukan untuk menciptakan seni media campuran. Anda membutuhkan sepasang yang dapat Anda andalkan untuk memotong bahan kasar yang tebal dan tipis yang rapuh. Anda juga dapat menggunakan pisau Exacto untuk membuat pemotongan kertas dengan hati-hati untuk pekerjaan kolase dan pelapisan.

Buku-buku antik, kertas-kertas tua, dan bingkai foto adalah emas murni untuk karya seni media campuran berbasis kolase. Ketika datang ke kolase, Anda juga dapat membawa barang-barang pribadi, surat dan kartu lama, ephemera, kertas daur ulang, dan kertas koran. Beberapa seniman juga menggunakan swatch kain, dengan lem kain, atau kadang-kadang mereka akan menggunakan jarum dan benang untuk menjahit elemen atau menambahkan bordir.

Terakhir, Anda harus memutuskan lem, perekat, dan pita perekat Anda. Lem datang dalam berbagai bentuk, termasuk lem cair yang kuat, perekat semprot, dan berbagai kekuatan pita. Meskipun berguna untuk memiliki serangkaian perekat, itu tergantung pada apa yang Anda coba tempelkan pada lukisan Anda. Misalnya, jika sebagian besar bahan kolase Anda adalah kertas, kemungkinan besar Anda akan menghindari lem cair, yang dapat menyebabkan kertas kusut atau sobek.

Barang Rumah Tangga dan Murah

Ketika berbicara tentang seni media campuran, apa pun bisa menjadi subjek karya seni Anda. Demikian pula, Anda dapat menggunakan apa pun yang Anda temukan di sekitar rumah atau studio Anda untuk membuat seni media campuran. Hal ini memungkinkan Anda untuk menjaga biaya persediaan tetap rendah, sekaligus menjadi kreatif tentang alat yang Anda gunakan untuk mengembangkan tekstur dan efek Anda.

Berikut adalah beberapa alat yang umum digunakan untuk lukisan media campuran:

  • Kuas cat
  • Sedotan
  • Pisau plastik
  • sisir
  • spons
  • Plastik gelembung
  • Tongkat rias
  • Daun, bunga, dan sayuran

SUBSTRAT MEDIA CAMPURAN DAN KANVAS

Kertas

Kertas Media Campuran – Kertas cenderung memiliki permukaan yang berpori, sehingga lebih mudah untuk menangkap dan menahan cat dan perekat. Kertas media campuran dirancang untuk cat, kolase, spidol, sedikit tinta, dan pastel. Namun, itu mungkin tertekuk atau pecah di bawah cat yang padat atau basah.

Kertas Cat Air – Kertas cat air adalah pilihan umum di antara seniman media campuran karena tebal, mungkin memiliki teksturnya sendiri, dan menangani media basah dengan sangat baik. Jika Anda tidak bekerja langsung dengan cat air, coba priming kertas cat air dengan gesso akrilik, untuk mempersiapkannya menerima akrilik dan pastel.

Papan Bristol – Papan Bristol sebenarnya lebih merupakan kertas daripada papan. Kertas berat ini mendahului popularitas dan produksi kertas media campuran yang tersedia saat ini. Mirip dengan kertas cat air, papan bristol hadir dalam berbagai bobot dan sentuhan akhir. Ada versi cold-pressed dan hot-pressed, serta permukaan halus dan permukaan vellum, yang akan menambahkan sedikit tekstur. Ini adalah pilihan yang baik untuk seniman media campuran yang suka menggabungkan pekerjaan pena dan tinta, sedikit cat air, spidol dan pena tinta, dan terutama kombinasinya dengan kolase.
papan

Art Boards – Artboards adalah permukaan keras yang cenderung tidak melengkung saat dibebani dengan benda kolase yang berat atau lapisan media basah yang tebal. Artboard juga akan cenderung tidak memberi jalan saat ditekan, seperti dengan stamping atau untuk membuat detail halus dengan pena atau pena kuas.

Permukaan Bertekstur – Permukaan bertekstur menawarkan berbagai pilihan, mulai dari kertas bertekstur hingga papan kayu dan kain. Ketika disegel dengan benar untuk akrilik, perekat, dan media lainnya, ini dapat menawarkan permukaan yang menarik untuk kolase dan lukisan media campuran. Permukaan bertekstur akan menawarkan awal yang baik dalam hal membangun tekstur dan menciptakan kontras yang kuat dan mencolok dalam karya seni Anda.

Karton – Jika Anda melatih teknik Anda dengan anggaran terbatas, karton mungkin menjadi pilihan terbaik Anda untuk mempelajari teknik seni media campuran. Ini bukan kualitas arsip, jadi jangan berharap itu bertahan selamanya. Sebagai gantinya, gunakan karton seperti buku sketsa sebagai permukaan yang murah untuk melatih seni Anda. Gunakan lapisan gesso untuk menyegelnya, lalu jangan takut untuk menjelajah.

Papan kayu – Papan kayu prima dapat memberi karya seni media campuran Anda nuansa pedesaan. Lapisan gesso akan membuat kayu dapat digunakan dengan perekat serta cat akrilik.

Papan Kanvas – Kanvas tradisional bisa sulit untuk dikerjakan saat membuat karya seni media campuran. Hal ini sering disebabkan oleh fleksibilitas dan ketergantungan kanvas pada penggunaan cat dan kuas, dibandingkan dengan media lain. Namun, jika Anda ingin tekstur kanvas di media campuran Anda atau berniat untuk melukis lapisan dasar di atas kanvas, kami sarankan untuk memilih papan kanvas. Dalam hal ini, kanvas dilekatkan pada hardboard untuk memberi Anda yang terbaik dari kedua dunia.

Apa yang Akan Dibayar Para Kolektor Miliarder untuk Seni “Tak Berharga” di Museum AS

Apa yang Akan Dibayar Para Kolektor Miliarder

Dilaporkan bahwa harga $ 450 juta dari Leonardo da Vinci yang ditemukan kembali yang di beli oleh website demo slot indonesia, Salvator Mundi (c. 1500), disebabkan oleh perang batil antara keluarga kerajaan Saudi dan penguasa de facto Uni Emirat Arab, yang keduanya salah mengira mereka menawar melawan saingan Teluk pengumpul seni mereka, keluarga kerajaan Qatar. Bahwa seorang oligarki Rusia telah mengirimkan gambar itu dengan harapan akan menjualnya dengan kerugian (untuk mendukung kasus pengadilannya terhadap dealer seni yang memiliki freeport Swiss), tetapi secara tak terduga meraup keuntungan $ 300 juta, mengungkapkan kebenaran yang menarik: Segmen tertinggi dari pasar sering kali lebih tentang persaingan dan keinginan sekelompok kecil miliarder daripada tentang seni yang sebenarnya.

Gambar itu akhirnya sampai ke Louvre Abu Dhabi setelah Saudi dilaporkan membaliknya untuk kapal pesiar besar, jadi saya kira Anda bisa mencetak satu untuk publik yang pergi ke museum. Tapi pejabat museum yang saya kenal masih kesal dengan keseluruhan hikayat. Bagi mereka, seni seharusnya ada di luar ilmu ekonomi. Tidak percaya padaku? Jika Anda mendapat kesempatan untuk bertemu dengan seorang kurator, tanyakan berapa harga salah satu foto bagus museumnya. Anda akan mendapatkan percakapan “tak ternilai” atau “tak ternilai” yang tidak memuaskan, atau pembicaraan tentang bagaimana seni menjadi komoditas. Tapi tentu saja, tidak ada gambar yang tak ternilai harganya.
Jadi, berapa nilai mahakarya yang melapisi dinding museum bagi orang-orang yang mampu membelinya? Sebagai eksperimen pemikiran, saya bertanya kepada beberapa kolektor dan dealer hebat dunia (klien kami) foto mana di museum AS yang paling ingin mereka miliki, dan berapa yang akan mereka bayarkan untuk memilikinya. Gambar-gambar yang muncul berulang kali memiliki tiga karakteristik: signifikansi historis, selebriti, dan daya tarik kontemporer.

Signifikansi sejarah sebenarnya adalah masalah pengaruh. Ekonom University of Chicago David Galenson, yang mempelajari pasar seni, mengatakan kepada saya bahwa “gambar yang memiliki pengaruh terbesar pada praktik seniman lain dan budaya pada umumnya akan dikanonisasi dan dijual dengan harga tertinggi”.

Selebriti bahkan lebih sederhana. Beberapa karya terkenal terkenal. Gambar seperti Christina’s World karya Andrew Wyeth (1948) di MoMA atau Maxfield Parrish’s Daybreak (1922) mencapai tingkat daya tarik populis yang jauh melampaui pengaruh sejarah seni mereka. Beberapa karya selebriti juga penting. Bagi kolektor, memiliki karya selebriti memberikan kejutan status.

Daya tarik kontemporer adalah fungsi dari apa pun yang sedang digemari di antara 50 kolektor terbesar di dunia. Preferensi dari 0,000000007% populasi dunia ini mendorong harga di ujung pasar tertinggi. Genre masuk dan keluar dari favorit. Jutawan akhir abad ke-19 menginginkan realis akademis, baron perampok awal abad ke-20 menyukai master Belanda dan Italia, taipan Jepang tahun 1980-an memperoleh Pasca-Impresionis. George Wachter, ketua Sotheby’s untuk Amerika, berkata bahwa kolektor saat ini “menginginkan ketegasan, kesegeraan, dan intensitas. Brash masuk. ”

Sepuluh gambar di museum A.S. yang saya yakini akan menghasilkan harga tertinggi dalam skenario lelang distopia saya (pikirkan penjualan mahakarya Hermitage Bolshevik pada tahun 1930-an) sangat dihargai di ketiga area ini.

$ 1,2 miliar — Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Sulit untuk menyampaikan betapa inginnya para kolektor papan atas memiliki lukisan ini. Tangan ke bawah, ia memenangkan permainan “If You Could Own One Painting” di antara para miliarder. Dan kenapa tidak? Ini adalah lukisan paling penting (dan paling sering dirujuk dalam buku teks) oleh seniman terpenting abad ke-20. Ini setara musik dengan memiliki kepemilikan tunggal atas “Symphony No. 41” Mozart. Sejarawan seni Miles Unger menyebutnya “ekuivalen budaya dengan Lenin yang memasuki stasiun Finlandia pada tahun 1917.” Saya melihatnya sebagai penggenapan proyek modernis, dimulai pada tahun 1863 oleh Édouard Manet dengan Luncheon on the Grass (gambar paling penting dan berharga di abad ke-19), untuk menghilangkan perspektif linier dan meratakan tubuh. Dengan perpaduan sempurna antara signifikansi, selebriti, dan daya tarik kontemporer, ini adalah piala budaya tertinggi. Ini adalah perkiraan konservatif. Lukisan itu secara eksponensial lebih berharga daripada pernyataan besar Picasso lainnya, Periode Biru La Vie (1903) di Institut Seni Cleveland dan Keluarga Periode Mawar Saltimbanques (1905) di Galeri Seni Nasional. Rekor lelang Picasso saat ini untuk Les femmes d’Alger (Versi ‘O’) tahun 1955, yang terjual seharga $ 179 juta di Christie’s pada tahun 2015, tidak berada di alam semesta yang sama dengan yang dihasilkan oleh gambar ini.

$ 1 miliar — Vincent van Gogh, The Starry Night (1889)

Ini adalah selebritas dengan kedalaman intelektual — anehnya akrab pada pandangan pertama dengan fasad ramah yang menyembunyikan jiwa yang tersiksa. Seperti Mona Lisa, gambar itu diganggu oleh lengkungan permanen para pengambil selfie yang menggunakan iPhone yang datang untuk membuktikan bahwa mereka telah melihat gambar tersebut daripada benar-benar melihatnya. Meskipun bunga matahari dan potret diri van Gogh mungkin lebih memengaruhi sejarah seni secara langsung, TheStarry Night telah menjadi gambar paling ikonik dari seniman paling mitologis kami. Penawaran akan bersifat global dan sengit. Seorang miliarder Asia memberi tahu saya bahwa dia akan melikuidasi kerajaan globalnya untuk memiliki lukisan itu.

$ 700 juta — Henri Matisse, The Joy of Life (1906)

Setelah satu abad bersembunyi di sudut lantai dua yang remang-remang dari koleksi Alfred Barnes di Merion, Pennsylvania, gambar itu sekarang tergantung di sudut lantai dua yang remang-remang di ruang yang baru dibuka (dan jauh lebih unggul) di pusat kota Philadelphia. Kurang terkenal dibandingkan Matisse’s Dance I (1909) di MoMA atau Woman with a Hat (1905) di SFMOMA, ini jauh lebih signifikan. Itu adalah pernyataan agung Fauvisme, gambar yang diluncurkan pada abad ke-20, menyiksa imajinasi Picasso dan mendorongnya menuju Kubisme. Penawaran akan kurang luas dibandingkan yang lain, tetapi penikmat yang tepat akan mendorong harga karya ini ke kisaran $ 700 juta.

$ 650 juta — Georges Seurat, A Sunday Afternoon di La Grande Jatte (1884)

Ini adalah karya besar yang dilukis dengan misi yang lebih besar: menempatkan seni modern di atas pijakan ilmiah. Hampir klise untuk mengatakannya, tetapi Seurat melakukannya untuk mewarnai apa yang dilakukan Einstein untuk ruang dan waktu. Ia memperkenalkan relativitas dengan menunjukkan bahwa hubungan antar warna, bukan warna itu sendiri, dapat menciptakan kesan visual. Layaknya peringkat Michelin bintang tiga, La Grande Jatte adalah foto langka yang layak untuk dinikmati secara langsung. Sebagai pilar identitas budaya Chicago, kota ini memiliki kegunaan ekonomi selain signifikansi budayanya. Penawaran dari Asia dan Timur Tengah akan agresif.

$ 500 juta — Paul Cézanne, The Large Bathers (1900–06) dan The Card Players (1892)

Dua gambar hebat Cézanne sama-sama penting, tetapi untuk alasan yang berbeda. The Large Bathers adalah salah satu fotonya yang paling berpengaruh, meletakkan dasar bagi Fauvisme, Kubisme, dan setiap “isme” lainnya sepanjang abad ke-20, sementara The Card Players telah menjadi selebriti dalam dirinya sendiri, pola dasar awal keterasingan modern dan ketidakpuasan (jika diperbarui hari ini, dia mungkin menggambarkan sebuah keluarga yang terhipnotis oleh iPhone mereka). Versi yang lebih kecil dari The Card Players dijual pada tahun 2011 kepada keluarga kerajaan Qatar seharga $ 250 juta. Kedua lukisan itu akan memicu peperangan total di ruang lelang.

$ 450 juta — Jackson Pollock, Nomor 1, 1950 (Lavender Mist) (1950)

Budaya Eropa tidak pernah benar-benar pulih dari ke-Amerika-an Pollock. Agresi Amerika-nya, skala Amerika-nya, bahkan kematiannya di Amerika (terkoyak dalam baja otomotif) menghembuskan energi baru ke seni tinggi dan menggeser pusatnya dari Paris ke New York, di mana ia tetap ada sejak saat itu. Lavender Mist di atmosfer adalah Jack the Dripper di puncaknya, proses mitologi intuisi, peluang, dan kontrolnya paling puitis. Karya Pollock telah mencapai $ 200 juta di pasar pribadi, dan ini adalah karyanya yang paling dicari di kalangan kolektor.

5 Artis Abstrak Terbaik Sepanjang Masa

Sudah lebih dari satu abad sejak abstraksi muncul sebagai genre utama (dan untuk sementara waktu dominan) dalam sejarah abad ke-20. Ini tetap menjadi aspek penting dari seni kontemporer, dan contoh utama baik sejarah maupun baru dapat ditemukan di museum seni utama NYC, termasuk MoMA, The Metropolitan Museum of Art, Guggenheim dan Whitney. Akar abstraksi kembali ke abad ke-19 dan kemunculan seni demi seni, sebuah filosofi yang mengemukakan gagasan bahwa lukisan dan pahatan harus membebaskan dirinya dari naturalisme untuk berkonsentrasi pada substansi seni itu sendiri material, tekstur, komposisi, garis, nada dan warna. Ini juga berarti perceraian dari peran selama berabad-abad yang dimainkan seni Barat dalam mempromosikan gereja dan negara. Dimulai dengan pendukung awal seperti s1288, fokus pada properti intrinsik seni menjadi semakin ketat melalui perkembangan gaya dari Impresionisme dan Pasca Impresionisme ke Kubisme dan Ekspresionisme. Perpecahan terakhir dengan representasi terjadi selama awal 1900-an dan remaja, dan berbagai seniman Vassily Kandinsky, Kasimir Malevich telah dikreditkan sebagai yang pertama mengembangkan abstraksi murni. Tetapi terlepas dari siapa yang memulainya, abstraksi secara fundamental mengubah sejarah seni, seperti yang Anda lihat dengan menjelajahi daftar seniman abstrak terbaik sepanjang masa.

Best abstract artists

1. Vasily Kandinsky (1866–1944)

Vasily Kandinsky (1866–1944)

Meskipun Vasily Kandinsky mengejar seni figuratif sebelum 1913, ia termasuk di antara pelukis pertama (jika bukan yang pertama) yang mendorong ke dalam abstraksi murni atau seperti yang ia katakan, “seni yang tidak bergantung pada pengamatan seseorang terhadap dunia luar”. Ia secara khusus percaya bahwa warna dapat dipisahkan dari semua referensi eksternal dan menjadi subjek seni. Bukunya tahun 1910, “On the Spiritual In Art,” memaparkan teorinya, dan menjadi salah satu teks Ur dari Modernisme abad ke-20.

Vasily Kandinsky, Black Lines (Schwarze Linien), 1913

2. Piet Mondrian (1872–1944)

Piet Mondrian (1872–1944)

Bersama dengan Picasso, Mondrian identik dengan Seni Modern, dan hanya menyebut namanya segera memunculkan salah satu komposisi geometris ikoniknya dari kotak-kotak berwarna primer yang dikandung oleh garis-garis hitam tegak lurus yang tebal. Seperti banyak modernis awal, Mondrian mulai bekerja dalam berbagai gaya yang dipengaruhi oleh Pasca-Impresionisme, dengan gaung Seurat dan Van Gogh bergema melalui adegan-adegannya di pedesaan Belanda. Karyanya, bagaimanapun, dimotivasi oleh keinginan untuk mencapai semacam persekutuan spiritual dengan yang ilahi, yang pada tahun 1913 membawa karyanya ke arah yang semakin abstrak. Namun, baru pada tahun 1920–21, ia menetapkan gaya yang paling dikenalnya.

Piet Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-43

3. Kazimir Malevich (1878–1935)

Kazimir Malevich (1878–1935)

Hanya beberapa tahun setelah Kandinsky, Kazimir Malevich meninggalkan lukisan representasional pada tahun 1915, dan menciptakan komposisi Suprematistnya yang pertama (dinamai demikian karena fokusnya pada “supremasi perasaan atau persepsi murni dalam seni bergambar”). Gaya, yang ia juga menjuluki “realisme pelukis baru,” menampilkan bentuk geometris berwarna yang mengambang di atas latar belakang putih, dan dengan cepat mencapai tahap reduktif radikal dengan potongan-potongan seperti Black Square (juga dari tahun 1915), dan Komposisi Suprematist: White on White (1918). Pengangkatan Stalin ke kekuasaan setelah kematian Lenin pada tahun 1924, bagaimanapun, seni abstrak diberi label sebagai bentuk dekadensi borjuis, dan menyebabkan kampanye represi resmi yang akhirnya memaksa Malevich untuk kembali ke seni figuratif.

Kazimir Malevich, Suprematist Composition: Airplane Flying, 1915

4. Joan Mitchell (1925–1992)

Joan Mitchell (1925–1992)

Joan Mitchell adalah bagian dari gelombang “generasi kedua” dari Abstrak Ekspresionis yang melunakkan, agak, bom eksistensial pendiri AbEx, mengambil gaya dalam arah yang lebih liris, meskipun tidak kurang emosional mempengaruhi. Penggunaan gerak tubuh tetap menjadi komponen kunci dalam karya pelukis gelombang berikutnya ini, dan di tangan Mitchell, mereka menjadi menggugah pemandangan dan benda mati. Dipengaruhi oleh Paul Cézanne, Claude Monet dan Vincent van Gogh dan memang, Mitchell hampir dapat digambarkan sebagai seorang Post-Impresionis abad pertengahan yang tidak mengherankan mengingat bahwa, terlepas dari hubungannya dengan Sekolah New York, dia menghabiskan sebagian besar karirnya hidup dan bekerja di Prancis.

Joan Mitchell, Untitled, 1992

5. Ellsworth Kelly (1923–2015)

Ellsworth Kelly (1923–2015)

Selama tahun 1950-an, ketika Abstrak Ekspresionisme masih berada pada puncaknya, Ellsworth Kelly mulai menunjukkan kanvas monokromatik yang cerah, berpanel banyak, yang secara gaya dan temperamen kebalikan dari lukisan garis miring seperti Pollock dan Willem De Kooning. Dalam banyak hal, dia adalah orang luar selama kebangkitan Sekolah New York, baik secara kiasan dan harfiah saat dia mengembangkan estetikanya saat tinggal di Paris, tempat dia pindah pada tahun 1948. Namun, pekerjaan Kelly bertemu dengan pujian kritis. Penjelajahannya tentang hubungan antara bentuk dan warna berangkat dari abstraksionis geometris sebelumnya dan Abstrak Ekspresionisme dalam hal ini karena sifatnya murni formal. Karya Kelly mengatur nada untuk banyak seni berikutnya, termasuk Minimalisme, lukisan Hard-edge, Bidang Warna, dan bahkan seni Pop.