5 Artis Abstrak Terbaik Sepanjang Masa

Sudah lebih dari satu abad sejak abstraksi muncul sebagai genre utama (dan untuk sementara waktu dominan) dalam sejarah abad ke-20. Ini tetap menjadi aspek penting dari seni kontemporer, dan contoh utama baik sejarah maupun baru dapat ditemukan di museum seni utama NYC, termasuk MoMA, The Metropolitan Museum of Art, Guggenheim dan Whitney. Akar abstraksi kembali ke abad ke-19 dan kemunculan seni demi seni, sebuah filosofi yang mengemukakan gagasan bahwa lukisan dan pahatan harus membebaskan dirinya dari naturalisme untuk berkonsentrasi pada substansi seni itu sendiri material, tekstur, komposisi, garis, nada dan warna. Ini juga berarti perceraian dari peran selama berabad-abad yang dimainkan seni Barat dalam mempromosikan gereja dan negara. Dimulai dengan pendukung awal seperti s1288, fokus pada properti intrinsik seni menjadi semakin ketat melalui perkembangan gaya dari Impresionisme dan Pasca Impresionisme ke Kubisme dan Ekspresionisme. Perpecahan terakhir dengan representasi terjadi selama awal 1900-an dan remaja, dan berbagai seniman Vassily Kandinsky, Kasimir Malevich telah dikreditkan sebagai yang pertama mengembangkan abstraksi murni. Tetapi terlepas dari siapa yang memulainya, abstraksi secara fundamental mengubah sejarah seni, seperti yang Anda lihat dengan menjelajahi daftar seniman abstrak terbaik sepanjang masa.

Best abstract artists

1. Vasily Kandinsky (1866–1944)

Vasily Kandinsky (1866–1944)

Meskipun Vasily Kandinsky mengejar seni figuratif sebelum 1913, ia termasuk di antara pelukis pertama (jika bukan yang pertama) yang mendorong ke dalam abstraksi murni atau seperti yang ia katakan, “seni yang tidak bergantung pada pengamatan seseorang terhadap dunia luar”. Ia secara khusus percaya bahwa warna dapat dipisahkan dari semua referensi eksternal dan menjadi subjek seni. Bukunya tahun 1910, “On the Spiritual In Art,” memaparkan teorinya, dan menjadi salah satu teks Ur dari Modernisme abad ke-20.

Vasily Kandinsky, Black Lines (Schwarze Linien), 1913

2. Piet Mondrian (1872–1944)

Piet Mondrian (1872–1944)

Bersama dengan Picasso, Mondrian identik dengan Seni Modern, dan hanya menyebut namanya segera memunculkan salah satu komposisi geometris ikoniknya dari kotak-kotak berwarna primer yang dikandung oleh garis-garis hitam tegak lurus yang tebal. Seperti banyak modernis awal, Mondrian mulai bekerja dalam berbagai gaya yang dipengaruhi oleh Pasca-Impresionisme, dengan gaung Seurat dan Van Gogh bergema melalui adegan-adegannya di pedesaan Belanda. Karyanya, bagaimanapun, dimotivasi oleh keinginan untuk mencapai semacam persekutuan spiritual dengan yang ilahi, yang pada tahun 1913 membawa karyanya ke arah yang semakin abstrak. Namun, baru pada tahun 1920–21, ia menetapkan gaya yang paling dikenalnya.

Piet Mondrian, Broadway Boogie Woogie, 1942-43

3. Kazimir Malevich (1878–1935)

Kazimir Malevich (1878–1935)

Hanya beberapa tahun setelah Kandinsky, Kazimir Malevich meninggalkan lukisan representasional pada tahun 1915, dan menciptakan komposisi Suprematistnya yang pertama (dinamai demikian karena fokusnya pada “supremasi perasaan atau persepsi murni dalam seni bergambar”). Gaya, yang ia juga menjuluki “realisme pelukis baru,” menampilkan bentuk geometris berwarna yang mengambang di atas latar belakang putih, dan dengan cepat mencapai tahap reduktif radikal dengan potongan-potongan seperti Black Square (juga dari tahun 1915), dan Komposisi Suprematist: White on White (1918). Pengangkatan Stalin ke kekuasaan setelah kematian Lenin pada tahun 1924, bagaimanapun, seni abstrak diberi label sebagai bentuk dekadensi borjuis, dan menyebabkan kampanye represi resmi yang akhirnya memaksa Malevich untuk kembali ke seni figuratif.

Kazimir Malevich, Suprematist Composition: Airplane Flying, 1915

4. Joan Mitchell (1925–1992)

Joan Mitchell (1925–1992)

Joan Mitchell adalah bagian dari gelombang “generasi kedua” dari Abstrak Ekspresionis yang melunakkan, agak, bom eksistensial pendiri AbEx, mengambil gaya dalam arah yang lebih liris, meskipun tidak kurang emosional mempengaruhi. Penggunaan gerak tubuh tetap menjadi komponen kunci dalam karya pelukis gelombang berikutnya ini, dan di tangan Mitchell, mereka menjadi menggugah pemandangan dan benda mati. Dipengaruhi oleh Paul Cézanne, Claude Monet dan Vincent van Gogh dan memang, Mitchell hampir dapat digambarkan sebagai seorang Post-Impresionis abad pertengahan yang tidak mengherankan mengingat bahwa, terlepas dari hubungannya dengan Sekolah New York, dia menghabiskan sebagian besar karirnya hidup dan bekerja di Prancis.

Joan Mitchell, Untitled, 1992

5. Ellsworth Kelly (1923–2015)

Ellsworth Kelly (1923–2015)

Selama tahun 1950-an, ketika Abstrak Ekspresionisme masih berada pada puncaknya, Ellsworth Kelly mulai menunjukkan kanvas monokromatik yang cerah, berpanel banyak, yang secara gaya dan temperamen kebalikan dari lukisan garis miring seperti Pollock dan Willem De Kooning. Dalam banyak hal, dia adalah orang luar selama kebangkitan Sekolah New York, baik secara kiasan dan harfiah saat dia mengembangkan estetikanya saat tinggal di Paris, tempat dia pindah pada tahun 1948. Namun, pekerjaan Kelly bertemu dengan pujian kritis. Penjelajahannya tentang hubungan antara bentuk dan warna berangkat dari abstraksionis geometris sebelumnya dan Abstrak Ekspresionisme dalam hal ini karena sifatnya murni formal. Karya Kelly mengatur nada untuk banyak seni berikutnya, termasuk Minimalisme, lukisan Hard-edge, Bidang Warna, dan bahkan seni Pop.

5 Karya Seni Terbaik Di Dunia

5 Karya Seni Terbaik Di Dunia

Setelah ‘The Da Vinci Code’ menjadi fenomena terlaris, para ahli teori konspirasi dan sejarawan di seluruh dunia bergabung untuk mempelajari dunia seni mencari rahasia. Dengan bantuan dari internet, sejumlah besar teori yang menarik perhatian tentang lukisan terkenal telah menjadi terkenal sejak saat itu.

Ada, tentu saja, ada sejumlah besar filosofi gila, yang telah dibantah dengan benar oleh yang lebih rasional dari kita. Konon, tidak semua teori tentang pesan rahasia dalam seni itu gila – bahkan jauh dari itu. Untuk membuktikannya, berikut lima lukisan terkenal dengan makna tersembunyi yang meyakinkan sekaligus menakjubkan dalam ukuran yang sama.

1. Lukisan ‘Matchstick Men’ L. S Lowry

Lukisan Lowry terkenal karena menggambarkan pemandangan kehidupan kerja pertengahan abad ke-20 di Inggris Barat Laut yang kini telah dibeli oleh pemilik situs http://stroppsworld.com/. Dicirikan oleh gaya khas yang menggambarkan ‘laki-laki korek api’ dalam pengaturan perkotaan industri, persaudaraan seni menghilangkan manfaat lukisan Lowry selama bertahun-tahun.

Namun, beberapa dekade setelah kematian artis, sekarang jelas ada lebih banyak karya terkenal dari Lowry daripada yang terlihat. Di sebagian besar lukisan seniman, ada banyak ‘kedipan mata dan Anda akan merindukan kilasan’ penderitaan manusia yang tersembunyi dalam pemandangan sehari-hari industri Inggris.

Ambil lukisan tahun 1926 An Accident, misalnya. Dalam gambar ini (ditampilkan di atas) Anda akan melihat sekelompok besar orang menatap ke dalam danau. Ini mungkin tampak biasa saja. Namun, bunuh diri penduduk asli sebenarnya menginspirasi lukisan itu, dan para pria korek berkumpul untuk melihat mayat yang tergenang air.

Dalam tubuh pekerjaan Lowry, ini bukanlah contoh yang terisolasi – perkelahian tinju, orang-orang diusir dari rumah mereka dan ilustrasi isolasi adalah hal yang umum. Sementara itu, sisa korek api lukisan terus melanjutkan kehidupan sehari-hari mereka, hampir tidak menyadari penderitaan di depan pintu mereka.

Pesan tersembunyi itu? Kami sendirian dan rasa sakit kami tidak ada artinya. Terlepas dari jurang perbedaan antara industri Inggris dan kehidupan modern, bagi banyak orang, pesan tersembunyi yang dijiwai dalam karya Lowry sama benarnya hari ini seperti ketika seniman pertama kali melukiskan cat ke kanvas.

2. Michelangelo, Langit-langit Kapel Sistina

Periode Renaisans adalah masa pembelajaran dan penemuan hebat, yang diilhami oleh kemunduran pada semangat penyelidikan ilmiah Yunani kuno. Itu juga merupakan periode di mana banyak seniman suka menyembunyikan beberapa misteri dalam pekerjaan mereka untuk pemirsa yang bermata elang – dan Michelangelo juga demikian.

Bagi yang belum tahu, lukisan Kapel Sistina karya Michelangelo menceritakan kisah kitab Kejadian dalam sembilan bagian. Namun, subteks dari narasi lukisan ini bisa dibilang lebih menarik daripada cerita Alkitab di bagian depan.

Michelangelo adalah seniman, pematung, dan arsitek yang jenius – namun, lebih sedikit orang yang tahu bahwa ia juga ahli anatomi. Pada usia 17 tahun, Michelangelo mulai membedah mayat dari kuburan gereja, dengan tujuan untuk membuat sketsa dan catatan anatomi.

Apa yang menjadi jelas lebih dari 500 tahun kemudian, adalah bahwa keterampilan yang dikembangkan Michelangelo selama ini dimanfaatkan dengan baik saat melukis Kapel Sistina.

Tersembunyi di balik jubah dan wajah tokoh-tokoh yang dilukis Michelangelo, para ilmuwan Amerika telah menemukan beberapa sketsa anatomi. Ini termasuk gambar otak, yang dengan cerdik disembunyikan dalam representasi leher dan dagu Tuhan di bagian berjudul ‘Pemisahan Cahaya dari Kegelapan’.

Apakah Anda bertanya pada diri sendiri mengapa Michelangelo merasa harus menyembunyikan sketsa anatomi dalam karyanya di langit-langit Kapel Sistina? Nah, semakin banyak ahli teori yang percaya bahwa itu adalah upaya seniman tersebut untuk menyerang secara sembunyi-sembunyi atas penghinaan gereja terhadap sains.

3. Vincent Van Gogh, Teras Kafe Di Malam Hari

Bagi banyak orang, Cafe Terrace at Night adalah salah satu lukisan terpenting Van Gogh. Jika Anda melihat lukisan itu, seperti kebanyakan lukisan, Anda mungkin akan melihat pemandangan biasa dan biasa-biasa saja – meskipun dilukis dengan sentuhan ajaib khas sang seniman. Namun banyak yang percaya bahwa gambar itu sebenarnya adalah gambaran Perjamuan Terakhir.

Jadi, mari kita lihat bukti yang mengarah pada kesimpulan ini. Pertama-tama, sebagai putra seorang pendeta Protestan, Van Gogh sangat religius. Karena alasan ini, banyak kritikus seni percaya bahwa banyak lukisan mani Van Gogh menampilkan hubungan biner antara seni dan citra Kristen. Bagi banyak orang, Cafe Terrace At Night menawarkan contoh terbaik dari teori ini.

Perjamuan Terakhir adalah makanan terakhir yang Yesus santap bersama 12 muridnya. Jika Anda menghitungnya, lukisan Van Gogh dengan jelas menggambarkan 12 orang sedang duduk untuk makan, dengan sosok sentral berambut panjang berdiri di antara mereka.

Kebetulan? Mungkin. Namun, jika Anda memperhitungkan jumlah salib tersembunyi dalam lukisan – termasuk satu di atas patung seperti Kristus – semua bukti menunjukkan pernyataan bahwa lukisan ini benar-benar ekspresi artistik Van Gogh tentang Perjamuan Terakhir.

4. Leonardo da Vinci, Perjamuan Terakhir

Dari Perjamuan Terakhir semu Van Gogh hingga yang asli. Dan kita tidak sedang berbicara tentang dunia kriptogram Dan Brown yang mengungkapkan kehidupan rahasia Yesus di sini. Alih-alih, kami berfokus pada pesan tersembunyi yang akan membawa musik ke telinga Anda – secara harfiah.

Jika Anda melihat Perjamuan Terakhir Da Vinci (di atas), Anda akan melihat serangkaian roti gulung yang melintasi bagian tengah lukisan. Beberapa tahun yang lalu, seorang musisi menemukan bahwa dengan menggambar lima garis dari tongkat musik di lukisan, roti gulung dikombinasikan dengan tangan para rasul berbaris untuk membuat not balok.

Jika dibaca dari kanan ke kiri, yang mengikuti gaya penulisan unik Da Vinci, not-not tersebut digabungkan untuk membuat komposisi 40 detik yang merdu. Bahkan orang-orang kafir pun mengakui bahwa komposisi nada harmoni yang sempurna terlalu bagus untuk menjadi suatu kebetulan. Ditambah, dalam gaya polymath sejati, Da Vinci adalah musisi ahli, sekaligus pelukis, pematung, dan penemu.

5. Diego Rivera, Manusia, Pengendali Alam Semesta

Nelson Rockefeller awalnya menugaskan seniman Meksiko Diego Rivera untuk melukis Manusia di Persimpangan Jalan untuk Rockefeller Center di New York. Tetapi ketika dia mengambil pengecualian untuk lukisan yang menggambarkan revolusioner komunis Rusia Vladimir Lenin, dia telah menghancurkannya.

Diego Rivera akhirnya mengecat ulang mural di Mexico City, dan menamainya Man, Controller of the Universe. Namun setelah rekonstruksinya, Rivera melanjutkan dan membuat satu tambahan kunci – penggambaran ayah Nelson Rockefeller di bawah interpretasi bakteri sifilis.

Oleh karena itu, makna tersembunyi dari lukisan ini menjadi jelas: Ayah Nelson Rockefeller menderita sifilis. Untuk menghina rumah penghinaan, Rivera juga melukis Rockefeller – seorang teetotal terkenal – memegang martini, sambil berdiri di samping seorang wanita yang bisa dengan mudah menjadi pelacur. Oh, dan Lenin juga menjadi lebih menonjol dalam menata ulang lukisan ini.

10 Artis Filipina Paling Terkenal dan Karya Agung mereka

10 Artis Filipina Paling Terkenal dan Karya Agung mereka

Seni Filipina mencerminkan berbagai pengaruh, dari masa kolonial negara itu hingga budaya kontemporer. Di sini, Culture Trip menampilkan profil 10 master Filipina legendaris yang harus Anda ketahui.

Fernando Amorsolo (1892-1972)

Fernando Amorsolo

Dicap sebagai Artis Nasional pertama di negara itu pada tahun 1972 oleh Presiden Marcos saat itu, Fernando Amorsolo sering dikenal sebagai ‘Pria Tua Agung Seni Filipina’. Realis lulusan Spanyol ini mengembangkan teknik backlighting, di mana penggambaran warna-warni tentang orang-orang lokalnya mencerminkan pancaran sinar matahari Filipina. Sosok dan lanskap yang diterangi bersinar secara ajaib di atas kanvas. Meskipun kesehatannya memburuk dan penglihatannya menurun, dia tetap produktif hingga akhir, menghasilkan hingga 10 lukisan sebulan sampai kematiannya pada usia 80 tahun. Kreativitas Amorsolo mendefinisikan budaya dan warisan bangsa hingga hari ini.

Musuem Vargas – ditemukan di dalam kampus almamaternya, Universitas Filipina, menampilkan pilihan karyanya yang terkenal.

José Joya (1931-1995)

José Joya
Seorang pelopor ekspresionisme abstrak Filipina, pelukis multi-media José Joya menggunakan warna-warna berani dan cerah dengan berbagai teknik melukis, layering, sapuan impasto longgar dan tetesan terkontrol. Warna-warnanya yang harmonis dipengaruhi oleh lanskap Filipina dan margasatwa tropis. Penguasaannya terletak pada lukisan gestural, di mana cat diaplikasikan secara spontan di atas kanvas, terkadang langsung keluar dari tabung atau melalui penggunaan sapuan lebar dengan kuas.

Joya memengaruhi seniman yang lebih muda untuk mengeksplorasi media lain seperti tembikar dan seni grafis saat ia menjabat sebagai Dekan Sekolah Tinggi Seni Rupa di Universitas Filipina. Pada tahun 1964, Joya mewakili negara itu dalam Venice Biennial, menampilkan kemajuan seni modern di Filipina.

Lukisannya yang paling terkenal dari tahun 1958, disebut Granadean Arabesque, adalah lukisan dinding berwarna kuning berskala besar yang menampilkan gugusan pasir dan impasto. Itu dapat dilihat di Galeri Seni Ateneo di Manila.

Pacita Abad (1946-2004)

Pacita Abad
Lahir di pulau utara Batanes, seniman yang dihormati secara internasional pertama kali memperoleh gelar dalam Ilmu Politik di Universitas Filipina. Aktivismennya yang gigih melawan rezim Marcos di tahun 1970-an, membawanya pindah ke San Francisco untuk awalnya belajar hukum – tetapi dia menemukan panggilan sebenarnya dengan seni. Lukisannya terdiri dari warna-warna cerah dan perubahan pola dan bahan yang konstan. Pekerjaan sebelumnya berurusan dengan penggambaran sosial-politik orang, topeng asli, bunga tropis, dan pemandangan bawah air. Pacita menciptakan teknik unik yang disebut ‘trapunto’, di mana dia menjahit dan mengisi kanvasnya yang cerah dengan berbagai macam bahan seperti kain, logam, manik-manik, kancing, kerang, kaca, dan keramik, untuk memberikan tampilan tiga dimensi pada karyanya. Banyak perjalanannya ke seluruh dunia dengan suaminya telah menjadi inspirasi untuk teknik dan bahan yang digunakan dalam karya seninya. Pacita telah berpartisipasi di lebih dari 60 pameran di seluruh Amerika Serikat, Amerika Latin, dan Eropa.

Dia tercatat telah mengerjakan lebih dari 5.000 karya seni – karyanya adalah Alkaff Bridge, Singapura, jembatan sepanjang 55 meter yang tercakup dalam lebih dari 2.000 lingkaran warna-warni. Itu diselesaikan beberapa bulan sebelum dia meninggal karena kanker paru-paru pada tahun 2004.

Ang Kiukok (1935-2005)

Ang Kiukok
Lahir dari imigran Cina, Ang Kiukok adalah pelopor ekspresionisme figuratif modern Filipina. Dihadiahi sebagai Seniman Nasional negara itu pada tahun 2001, ia adalah salah satu tokoh komersial paling sukses di kancah seni lokal dari tahun 1960-an sampai kematiannya akibat kanker pada tahun 2005. Seperti Amorsolo, lukisannya populer di lelang dan telah menerima tawaran yang sangat tinggi di Sotheby dan Christie. Dia dikenal karena penggambaran kubis dan surealisnya yang berbeda tentang penyaliban Kristus dan ibu dan anak. Namun, ia diakui atas rangkaian Nelayan di Laut, yang menghubungkan energi, keyakinan, dan perjuangan para nelayan di bawah sinar matahari merah menyala yang bekerja bersama untuk membawa hasil tangkapan untuk hari itu.

Karya-karyanya yang terkenal diwakili di Pusat Kebudayaan Filipina, Museum Sejarah Nasional Taipei dan Museum Nasional di Singapura.

Benedicto Cabrera (1942-sekarang)

Benedicto Cabrera

Dikenal sebagai ‘BenCab’ di Filipina, Cabrera adalah pelukis komersial terlaris di generasinya dan pemimpin terkemuka dari seni kontemporer lokal. Ia belajar di bawah bimbingan José Joya di Universitas Filipina dan menerima gelar di bidang Seni Rupa pada tahun 1963. Karirnya yang sukses telah berlangsung selama lima dekade, di mana lukisan, etsa, sketsa, dan cetakannya telah dipamerkan di seluruh Asia, Eropa, dan AS. . Dia saat ini tinggal di stasiun perbukitan utara yang dingin di Baguio, di mana dia mendirikan Museum BenCab empat tingkat di Asin Road yang menampilkan pilihan eklektik dari artefak asli, karya pribadi, dan koleksi lukisan yang luar biasa dari seniman kontemporer Filipina.

Kidlat Tahimik (1942-sekarang)

Kidlat Tahimik

Seorang teman dekat BenCab dan penduduk asli Baguio adalah sutradara Kidlat Tahimik yang sangat diakui. Dikenal sebagai bapak film independen Filipina, pemerintah baru-baru ini menganugerahkan kepadanya Ordo Artis Nasional untuk Film pada Oktober 2018. Lahir sebagai Eric de Guia, Kidlat Tahimik berarti ‘kilat diam’ dalam bahasa Tagalog. Sebelum masuk bioskop, Kidlat belajar di Wharton School Universitas Pennsylvania yang bergengsi, mendapatkan gelar Magister Administrasi Bisnis. Karyanya dikaitkan dengan Third Cinema, sebuah gerakan film yang mencela neo-kolonialisme dan sistem kapitalis. Film-filmnya telah menonjol di festival film di Amerika, Eropa, dan Asia.

Dia sangat dihormati di antara sutradara Werner Herzog dan Francis Ford Copolla, yang keduanya berperan penting dalam membantunya mempresentasikan karya semi-otobiografinya yang paling terkenal Perfumed Nightmare pada tahun 1977. Film ini menggabungkan teknik dokumenter dan esai yang memberikan kritik yang agak lucu namun tajam terhadap kesenjangan sosial antara si kaya dan si miskin di Filipina.

Jika Anda kebetulan berada di Baguio, mampirlah ke kafe artis dan restoran vegetariannya Oh My Gulay, yang terletak di jantung Session Road di lantai lima Gedung La Azotea. Bangunan tua tidak memiliki lift, tetapi perjalanan dan pemandangan yang jauh sepadan. Kafe ini adalah negeri ajaib unik dalam imajinasi Kidlat, yang menampilkan jembatan kayu, kolam ikan biru cerah, lukisan, dan patung asli yang dikelilingi oleh rangkaian tanaman yang sehat. Di Assumption Road, ia menciptakan desa seniman besar-besaran yang terinspirasi oleh kafe pertamanya, yang disebut Ili-likha (atau, untuk membuat), yang harus dilihat sebelum meninggalkan Baguio.

Eduardo Masferré (1909-1995)

Eduardo Masferré

Jauh di utara Baguio, di provinsi pegunungan Sagada, Eduardo Masferré lahir dari seorang ibu Filipina dan tentara Spanyol. Dia dianggap sebagai Bapak fotografi Filipina. Dia mendokumentasikan dengan sangat rinci kehidupan sehari-hari penduduk asli Cordilleras. Fotografer otodidak memproses filmnya sendiri di kamar gelap sementara dan bahkan berhasil menghasilkan cetakan tanpa listrik. Foto-fotonya menangkap budaya masyarakat di komunitasnya dan berfungsi sebagai dokumentasi praktik dan ritual adat mereka. Foto-foto Masferré telah menjadi pameran di seluruh dunia. Lembaga Smithsonian membawa setidaknya 120 cetakan karyanya untuk National Museum of Natural History di Washington D.C.

Dia dikenang karena bukunya tentang People of the Philippine Cordillera Photographs 1934-1956, yang diterbitkan pada tahun 1988. Sebuah penginapan dan kafe pedesaan di Sagada dinamai menurut namanya dan layak dikunjungi untuk melihat salinan cetakannya dan membeli suvenir yang dibuat untuk menghormati Masferré.

Agnes Arellano (1949-sekarang)

Agnes Arellano

Terlahir dari keluarga arsitek pria terkemuka, pematung Agnes Arellano terkenal karena karya surealis dan ekspresionisnya dalam plester, perunggu, dan marmer cor dingin. Patung-patungnya menonjolkan tubuh perempuan dan menggambar dari tema seputar seksualitas, agama, dan mistisisme. Meminjam istilah penyair Gerard Manley Hopkins, Agnes mengaitkan karyanya dengan ‘inscapes’, yang menegaskan kesatuan internal di antara berbagai elemen dalam instalasi dan pahatannya. Menggambar dari kematian tragis orang tua dan saudara perempuannya akibat kebakaran rumah pada tahun 1981, karyanya mengeksplorasi tema penciptaan dan kehancuran, dan siklus kehidupan dari lahir sampai mati.

Roberto Chabet (1937-2013)

Roberto Chabet
Terlahir sebagai Roberto Rodriguez, dia menggunakan nama gadis ibunya Chabet ketika dia memulai karirnya di bidang seni. Dia adalah seorang mentor bagi banyak mahasiswa di Universitas Filipina, tempat dia mengajar selama lebih dari 30 tahun, dan diakui sebagai bapak seni konseptual di Filipina. Chabet awalnya belajar arsitektur tetapi instalasi seni konseptual, kolase, dan pahatannya pada 1960-an dan 70-an membuatnya menjadi sosok pemberontak di kancah seni lokal. Dia adalah direktur museum pendiri Pusat Kebudayaan Filipina dari 1967-1970, di mana dia mendirikan Penghargaan Artis 13 yang menyoroti pencapaian seniman muda yang karyanya menunjukkan pandangan kontemporer tentang pembuatan dan pemikiran seni.

Ia menggambarkan dirinya sebagai “penjaga” dan pekerjaannya sebagai “makhluk memori”. Keahliannya yang beragam dalam menggambar, memahat, instalasi, fotografi, seni grafis, dan kolase mempertanyakan modernitas. Karya-karyanya mencerminkan pentingnya ruang dan bagaimana perpindahan benda-benda biasa dapat mengubah maknanya.

Napoleon Abueva (1930-2018)

Napoleon Abueva

Tercatat sebagai Bapak patung Filipina Modern, Abueva kuliah di Universitas Filipina bersama Joya dan dibimbing oleh pematung terkenal Guillermo Tolentino, di Sekolah Tinggi Seni Rupa. Lahir di Bohol, ia juga peraih penghargaan Seniman Nasional termuda yang ditunjuk oleh Presiden Marcos pada saat itu, pada usia 46 tahun. Keahliannya terlihat pada beragam bahan seperti kayu keras, tempat tinggal, baja, semen, marmer, dan perunggu.

Abueva mahir dalam representasi tradisional dan bentuk abstrak modern dari patung. Sebuah perjalanan keliling Universitas Filipina akan menunjukkan kepada Anda sejumlah karyanya, seperti University Gateway dan Nine Muses di dekat pusat fakultas lama. Ia juga bertanggung jawab atas relief pahatan marmer yang terlihat pada salib peringatan perang di Mt. Samat, Bataan.

Ini adalah salib tertinggi kedua di dunia dan tertinggi di Asia. Di bawah komisi pemerintah Filipina, Abueva berkolaborasi dengan desainer Lorenzo del Castillo untuk membuat kuil yang memperingati ribuan tentara Filipina dan Amerika yang kehilangan nyawa mereka selama Bataan Death March pimpinan Jepang pada tahun 1942. Pastikan untuk berjalan selama penerbangan tangga di dalam salib untuk mencapai puncak, dan nikmati pemandangan Bataan yang menakjubkan.

7 Karya Lukisan Jepang Paling Terkenal

Lukisan Jepang memiliki sejarah yang sangat kaya; tradisinya sangat luas, sementara posisi unik Jepang di dunia sangat memengaruhi gaya dan teknik dominan seniman Jepang.

Sudah menjadi fakta umum bahwa Jepang cukup terisolasi selama berabad-abad – bukan hanya karena geografi tetapi juga karena kecenderungan budaya Jepang yang dominan terhadap isolasi yang menandai sejarah negara tersebut.

Selama berabad-abad keberadaan apa yang kita sebut “peradaban Jepang”, budaya dan seni berkembang secara terpisah dari yang ada di seluruh dunia. Dan itu bahkan terlihat dalam praktik melukis Jepang.

Lukisan Nihonga , misalnya, merupakan salah satu produk utama praktik seni lukis Jepang. Ini didasarkan pada tradisi yang berusia lebih dari seribu tahun dan lukisan biasanya dibuat di atas washi (kertas Jepang) atau eginu (sutra), menggunakan kuas.

Namun, seni dan lukisan Jepang juga dipengaruhi oleh praktik artistik asing . Pertama, seni rupa Tiongkok di abad ke-16 dan lukisan Tiongkok serta tradisi seni Tiongkok yang sangat berpengaruh di sejumlah titik.

Pada abad ke-17, lukisan Jepang juga dipengaruhi oleh tradisi Barat. Khususnya pada masa Pra-Perang yang berlangsung dari tahun 1868 hingga 1945, seni lukis Jepang banyak dipengaruhi oleh aliran impresionisme dan romantisme Eropa.

Pada saat yang sama, gerakan seni rupa Eropa baru juga secara signifikan dipengaruhi oleh praktik seni Jepang. Pengaruh ini disebut Japonisme dalam sejarah seni, dan sangat berpengaruh bagi kaum Impresionis, Kubis, dan seniman yang terkait dengan Art Nouveau .

Gulir ke bawah dan lihat 7 Karya Seni Lukis Jepang

Katsushika Hokusai – Impian Istri Nelayan

Katsushika Hokusai - Impian Istri Nelayan

Salah satu lukisan Jepang yang paling dikenal adalah The Dream of the Fisherman’s Wife . Itu dieksekusi pada tahun 1814 oleh seniman terkenal Hokusai. Jika kita mengikuti definisi yang ketat, karya Hokusai yang menakjubkan ini tidak dapat dianggap sebagai lukisan, karena itu adalah desain ukiran kayu dari genre ukiyo-e dari buku Kinoe no Komatsu , yang merupakan buku tiga jilid shunga erotica.

Komposisinya menggambarkan seorang penyelam ama muda yang terjalin secara seksual dengan sepasang gurita. Lukisan Jepang ini cukup berpengaruh di abad 19 dan 20. Karya tersebut telah mempengaruhi seniman-seniman selanjutnya seperti Félicien Rops, Auguste Rodin , Louis Aucoc, Fernand Khnopff, dan Pablo Picasso .

Tomioka Tessai – Abe-no-Nakamaro Menulis Puisi Nostalgia Saat Melihat Bulan

Tomioka Tessai - Abe-no-Nakamaro Menulis Puisi Nostalgia Saat Melihat Bulan

Tomioka Tessai adalah nama samaran untuk seniman dan penulis kaligrafi Jepang yang terkenal. Ia dianggap sebagai seniman besar terakhir dalam tradisi Bunjinga dan salah satu seniman besar pertama dalam aliran Nihonga.

Tradisi Bunjinga adalah salah satu aliran seni lukis Jepang yang berkembang pada akhir zaman Edo di kalangan seniman yang menganggap diri mereka sastrawan, atau intelektual.

Masing-masing seniman Jepang ini, termasuk Tessai mengembangkan gaya dan teknik mereka sendiri, tetapi semuanya adalah pengagum seni dan budaya Tiongkok.

Fujishima Takeji – Matahari Terbit di Laut Timur

Fujishima Takeji - Matahari Terbit di Laut Timur

Fujishima Takeji adalah seorang pelukis Jepang, terkenal atas karyanya dalam mengembangkan seni Romantisisme dan Impresionis dalam gerakan seni yōga (gaya Barat) pada lukisan Jepang akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20.

Pada tahun 1905, ia melakukan perjalanan ke Prancis, di mana ia dipengaruhi oleh gerakan Prancis pada masa itu, terutama oleh aliran Impresionisme, yang dapat dilihat pada lukisannya Matahari Terbit di Laut Timur yang dibuat pada tahun 1932.

Kitagawa Utamaro – Sepuluh Studi di Fisiognomi Wanita, Koleksi Kecantikan yang Memerintah

Kitagawa Utamaro - Sepuluh Studi di Fisiognomi Wanita, Koleksi Kecantikan yang Memerintah

Kitagawa Utamaro adalah seorang seniman dan pelukis Jepang terkemuka yang lahir pada 1753 dan meninggal pada 1806. Ia terkenal karena serialnya yang berjudul Sepuluh Studi dalam Fisiognomi Wanita, Koleksi Kecantikan yang Memerintah, Tema Cinta Besar Puisi Klasik (kadang-kadang disebut Women in Love yang berisi cetakan individual seperti Revealed Love dan Pensive Love ). Dia adalah salah satu seniman Jepang terpenting yang termasuk dalam genre ukiyo-e cetakan balok kayu.

Kawanabe Kyosai – Harimau

Kawanabe Kyosai - Harimau

Kawanabe Kyosai adalah salah satu seniman Jepang paling terkemuka di zaman Edo. Karya seninya dipengaruhi oleh karya Tohaku, seorang seniman Kano dari abad keenam belas yang merupakan satu-satunya seniman pada masanya yang melukis layar seluruhnya dengan tinta pada latar belakang bubuk emas yang halus. Meskipun Kyosai paling dikenal sebagai karikaturis, ia menciptakan beberapa lukisan paling terkenal dalam sejarah seni Jepang abad ke-19. Tiger adalah salah satu lukisan di mana Kyosai menggunakan cat air dan tinta untuk membuat gambar ini.

Hiroshi Yoshida – Fuji dari Danau Kawaguchi

Hiroshi Yoshida - Fuji dari Danau Kawaguchi

Hiroshi Yoshida dikenal sebagai salah satu tokoh terpenting dari gaya shin-hanga (shin-hanga adalah gerakan seni di awal abad ke-20 Jepang, selama periode Taishō dan Shōwa, yang merevitalisasi seni ukiyo-e tradisional yang berakar pada Edo dan periode Meiji (abad ke-17 hingga ke-19) Ia dilatih dalam tradisi lukisan cat minyak Barat, yang diadopsi di Jepang selama periode Meiji.

Takashi Murakami – 727

Takashi Murakami - 727

Takashi Murakami mungkin adalah artis Jepang paling populer saat ini. Karya-karyanya dijual dengan harga astronomi di lelang besar, sementara seninya telah menginspirasi seluruh generasi seniman baru, tidak hanya di Jepang, tetapi juga di dunia internasional. Seni Murakami mencakup berbagai macam medium dan umumnya digambarkan sebagai superflat. Karyanya terkenal karena penggunaan warna, penggabungan motif dari budaya tradisional dan populer Jepang. Isi lukisannya sering digambarkan sebagai “imut”, “psikedelik”, atau “satir”.

Seluruh sumber foto diatas dikutip dari http://sbobetcasino.id/, silahkan kunjungi web ini dan berikan apresiasi atas karya mereka.

baca juga artikel kami lainnnya, seperti: Cara Membuat Lukisan Abstrak Ala Profesional.

Teknik Seni Grafis Yang Harus Anda Ketahui

Teknik Seni Grafis Yang Harus Anda Ketahui

Bagi banyak orang, istilah ” seni grafis ” mungkin memunculkan gambaran kartun politik era Pencerahan atau mungkin mesin cetak Renaisans, tetapi seni grafis adalah salah satu bentuk seni manusia tertua.

Tidak hanya ukiran pada tulang dan batu yang bertahan dari zaman prasejarah, tetapi desain ukiran telah digunakan untuk mentransfer dan menggandakan gambar sejak 3000 SM, ketika orang Sumeria menggunakan ukiran paku untuk membuat cetakan relief pada tablet tanah liat.

Sementara seni grafis adalah metode kuno untuk mentransfer informasi, seniman telah menyesuaikan dan menyempurnakan teknik selama berabad-abad, menciptakan berbagai jenis cetakan, dibawah ini Anda akan melihat berberapa jenis seni grafis yang sudah dirangkum oleh www.mabosway.win sebelumnya.

Berikut adalah teknik terbaik yang harus diketahui oleh pecinta seni :

1. Woodcut

Woodcut

Woodcut adalah salah satu jenis seni grafis relief. Meskipun teknik ini telah digunakan di China sejak abad ke-5 M dan merupakan salah satu bentuk seni grafis tertua di dunia, teknik ini tidak mencapai Eropa hingga awal abad ke-14.

Pada abad ke-15, jenis pencetakan yang dapat dipindahkan merevolusi pencetakan, dan potongan kayu kemudian dipopulerkan sebagai cara untuk mengilustrasikan teks.

Dalam metode ini, gambar diukir menjadi kayu dengan pisau atau alat lain.

Balok kayu tersebut kemudian dilapisi dengan tinta, yang hanya menutupi permukaan yang ditinggikan, membiarkan titik ukiran kosong.

Balok kayu kemudian ditekan ke permukaan, seperti kertas, untuk mentransfer desain.

The ukiran kayu telah digunakan oleh berbagai seniman selama berabad-abad, termasuk master Renaissance seperti Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Elder, dan Hans Holbein, seniman Jepang abad ke-18 Hokusai dan Hiroshige, dan 19 dan seniman abad ke-20 seperti sebagai Edvard Munch, Paul Gauguin, Rockwell Kent, Leonard Baskin, dan Carol Summers.

2. Linocut

Linocut

Teknik membuat linocut mirip dengan membuat potongan kayu, karena pemotongan lino juga merupakan teknik relief.

Namun, bentuk ini muncul pada abad ke-20 ketika seniman seperti Pablo Picasso, John Banting, dan Georg Baselitz mengukir gambar menjadi lembaran linoleum.

Linoleum adalah bahan yang lebih lembut daripada kayu, membuatnya lebih mudah untuk mengukir gambar ke dalamnya daripada kayu.

3. Pengukiran

Pengukiran

Seperti halnya ukiran kayu dan linocut, pengukiran memerlukan seniman untuk memotong permukaan yang keras, dalam hal ini desain diukir menjadi pelat logam dengan alat atau asam.

Jenis seni grafis intaglio, dalam ukiran alih-alih menutupi permukaan yang ditinggikan dengan tinta, seniman menutupi seluruh pelat dengan tinta, dan kemudian menyekanya dari permukaan yang ditinggikan sebelum membuat cetakan, hanya menyisakan garis berukir di belakang.

Ini memungkinkan seniman seperti Albrecht Dürer, Francisco Goya, William Hogarth, Lucas van Leyden, dan William Blake untuk menangkap detail yang sangat halus dalam cetakan mereka, tetapi sensitivitas metode ini juga berarti seniman harus tepat saat mengukir gambar.

4. Etsa

Etsa

Etsa juga merupakan teknik intaglio, tetapi alih-alih mengukir gambar langsung ke logam, seniman menutupi pelat dengan lapisan lapisan tahan asam dan kemudian membuat tanda dangkal pada lapisan tersebut, bukan pada logam.

Pelat kemudian dipernis di bagian belakang dan dimandikan dengan asam, yang hanya akan menggerogoti bagian piring yang belum dilapisi tempat lapisannya terkikis.

Artis dapat bermain dengan tingkat keasaman atau lamanya waktu setiap baris terkena asam untuk mengubah kedalaman dan keunggulan garis.

Pembuat grafis Albrecht Dürer hanya diketahui telah membuat lima etsa dalam hidupnya, namun seniman Italia Mazzola mengadopsi teknik tersebut dan menggunakan arsir silang untuk menciptakan kontras pada abad ke-16.

Pada abad ke-17, bagaimanapun, Rembrandt menjadi ahli etsa yang mampu menangkap kehalusan, atmosfer yang kaya, dan kontras ekstrim dalam pencahayaan dalam cetakannya.

5. Collagraph

Jika linocut dan woodcut membutuhkan seniman untuk menghilangkan material dari permukaan printing, collagraph dibuat dengan menambahkan material collaged ke permukaan, menorehkan plate, dan menekannya pada kertas atau material lain untuk membuat image. Hasilnya adalah desain multi-tekstur.

Teknik ini diciptakan oleh Glen Alps, profesor seni grafis di Universitas Washington pada 1960-an.

6. Aquatint

Aquatint

Dikembangkan pada abad ke-19, aquatint didesain menyerupai cat air.

Mirip dengan etsa, aquatint dibuat dengan melapisi pelat dengan zat — dalam hal ini, damar — dan kemudian mencucinya dengan asam.

Namun, pelat aquatint dipanaskan untuk melelehkan damar ke atas pelat sebelum penangas asam. Asam kemudian mengiris area yang terbuka.

Francisco Goya menggunakan aquatint untuk membuat beberapa seri cetakan, sementara Robert Havell menggunakan teknik tersebut untuk mengilustrasikan Birds of America karya John James Audubon .

7. Litografi

Litografi

Salah satu teknik seni grafis yang lebih terlibat, ahli litograf menyiapkan sepotong besar batu kapur atau pelat logam dengan menutupi batu atau logam dengan bahan abrasif untuk menghilangkan gambar sebelumnya dan menghaluskan permukaan.

Kemudian, seniman menggunakan krayon atau tinta litografi berbahan dasar minyak untuk menggambar gambar di atas batu atau logam. Gambar “dipasang” ke permukaan batu atau logam dengan bahan kimia.

Ahli litograf kemudian mengoleskan tinta berbahan dasar minyak ke permukaan yang lembab, dan karena air dan minyak tidak bercampur, tinta berminyak hanya menempel pada area gambar yang berminyak tanpa berpindah ke tempat kosong yang dimaksud.

Seniman kemudian menempatkan kertas di atas pelat, dan menggunakan mesin cetak untuk mentransfer gambar.

Henri de Toulouse-Lautrec dikreditkan dengan melambungkan teknik ini ke ketenaran di abad ke-19, tetapi seniman abad ke-20, seperti Marc Chagall, Pablo Picasso, Joan Miró, David Hockney, dan Jasper Johns juga bekerja dengan teknik ini.

Lihat juga Tips Penting Dalam Seni Lukis Abstrak.

Cara Membuat Lukisan Abstrak Ala Profesional

Cara Membuat Lukisan Abstrak

Berapa kali Anda melihat lukisan abstrak dan mendengar seseorang berkata, “Saya bisa melakukan itu!”? Meskipun lukisan abstrak terlihat mudah bagi sebagian orang, sebenarnya lukisan ini bisa lebih menantang daripada lukisan tradisional atau klasik. Ini karena seni abstrak menentang aturan dan konvensi. Terserah Anda sebagai seniman untuk melanggar aturan, bersikap ekspresif, dan memutuskan apa itu seni. Pertama, persiapkan untuk melukis. Kemudian, putuskan apakah Anda ingin membuat lukisan abstrak geometris acak (dengan gaya Paul Yanko atau Thornton Willis), lukisan abstrak geometris minimalis yang menampilkan bentuk geometris yang berani (dengan gaya Piet Mondrian atau Paul Klee), atau jika Anda ingin lebih fokus pada proses melukis (dalam gaya Jackson Pollock atau Mark Rothko). Tips blog kami ini kami ambil melalui penulis aritkel judi online wm casino. Penulis tersebut juga menjadi salah seorang seniman profesional.

1. Mempersiapkan Paint

1. Mempersiapkan Paint

Temukan kanvas. Anda dapat membeli kanvas siap pakai dalam berbagai ukuran di toko kerajinan. Ini akan disiapkan untuk digunakan segera; Namun, tidak ada aturan yang mengatakan Anda harus menggunakan kanvas yang sudah disiapkan dan direntangkan. Faktanya, seniman abstrak sering menggunakan kanvas yang tidak diregangkan dan tidak dilapisi.

Jika Anda lebih suka latar belakang berwarna, belilah stoples Gesso sebagai pelapis kanvas dan beri sentuhan warna. Primer akan cepat kering.

Pilih cat Anda. Putuskan apakah akan menggunakan cat akrilik atau cat minyak. Cat akrilik tidak berbau dan mudah dikerjakan karena cepat kering dan dapat dicat jika Anda membuat kesalahan. Minyak, di sisi lain, biasanya tidak digunakan karena membutuhkan waktu lebih lama untuk mengering, berbau, dan tidak memungkinkan Anda mengecat karena kesalahan.

Kumpulkan kuas dan alat lainnya. Pilih kuas apa pun yang ingin Anda gunakan dengan cat yang telah Anda pilih. Anda juga dapat mempertimbangkan untuk menggunakan pisau palet untuk mengaplikasikan cat, sehingga memberikan tampilan bertekstur. Sementara beberapa seniman suka menggunakan kuda-kuda, banyak seniman abstrak memilih untuk meletakkan kanvas mereka langsung di lantai agar lebih dekat dengan karya.

Jika Anda tidak yakin tentang warna apa yang cocok bersama-sama, pikirkan tentang mengambil bagan / roda warna. Ini benar-benar akan menunjukkan kepada Anda warna mana yang saling melengkapi.

Ganti pakaian lukis. Bergantung pada seberapa berantakan rencananya Anda, sebaiknya berganti menjadi kemeja tua atau baju luar lukisan. Mengenakan sesuatu yang tidak Anda khawatirkan akan membuat Anda lebih fokus pada lukisan atau proses seni abstrak.

Anda mungkin ingin meletakkan koran untuk mencegah tetesan atau tumpahan, terutama jika Anda berencana untuk menjentikkan cat atau meletakkan kanvas di tanah.

2. Mempelajari Teori Warna

2. Mempelajari Teori Warna

Dapatkan roda warna. Sederhananya, roda warna adalah alat melingkar yang menampilkan berbagai warna. Ini berguna untuk menunjukkan hubungan antara warna – apa yang tampak serasi, apa yang bentrok, dan sebagainya.

Temukan roda warna di toko peralatan artis, toko kerajinan, atau departemen cat setempat.

Pahami warna primer, sekunder, dan tersier. Pada dasarnya, roda warna dibagi menjadi tiga bagian: warna primer (merah, biru, kuning). Warna-warna sekunder dibuat dengan mencampurkan warna-warna primer ini (hijau, oranye, ungu). Warna tersier bisa saya buat dengan mencampurkan warna primer dan warna sekunder (kuning-jingga, merah-jingga, merah-ungu, biru-ungu, biru-hijau & kuning-hijau).

Untuk membiasakan diri dengan pembuatan warna, cobalah membuat roda warna Anda sendiri.

Pelajari tentang warna hangat dan dingin. Warna-warna hangat, seperti merah, kuning, oranye, cenderung menciptakan kesan bergerak dan bergerak maju. Warna-warna sejuk, seperti biru, hijau, ungu, surut atau menunjukkan sedikit gerakan. Mereka adalah warna yang menenangkan.

Putih, hitam, dan abu-abu dipandang sebagai warna netral.

Bekerja dengan harmoni warna. Ada beberapa rumus untuk memilih warna yang cocok bersama.

Mencoba:

Warna analog: Pilih dua atau tiga warna yang bersebelahan pada roda warna. Salah satu warna mungkin akan menonjol, tetapi ketiganya akan terlihat bagus jika digabungkan.

Warna pelengkap: Pilih dua warna yang saling berlawanan pada roda warna. Warna-warna ini benar-benar bisa keluar

Warna triadik: Pilih tiga warna dengan jarak yang sama pada roda warna. Jika Anda menggambar garis untuk menghubungkan warna yang Anda pilih, Anda akan mendapatkan segitiga. Warna-warna ini akan sangat menonjol.

Informasi Seputar Seni Lukis Rusia

Informasi Seputar Seni Lukis RusiaPara seniman kemudian membentuk kelompok mereka sendiri, Society for Travelling and Exhibiting Art. Pada akhir 1800-an, konflik menjadi jelas antara tiga gaya seni, idealisme, klasisisme dan realisme ideologis. Realisme kemudian menjadi pusat perhatian hingga akhir 1900-an. Kelompok ini nantinya akan mendedikasikan energi mereka untuk tema-tema populis yang diatur dalam realisme.

Realisme adalah gaya lukisan yang meliputi alam dalam bentuk aslinya. Alam dilukis sebagaimana adanya tanpa objektivitas terhadap sapuan kuas. Ini adalah gaya seni yang agak konservatif. Lukisan-lukisan seni pertama yang digambarkan dalam realisme didominasi dalam tema-tema yang didasarkan pada Klerus Rusia, lanskap, dan kaum tani Rusia.

Seni Abad ke-18: Realisme Ideologis

Masyarakat untuk Bepergian dan Organisasi Seni Pamer dikenal sebagai Peredvizhniki dalam bahasa Rusia. Ini diterjemahkan ke itinerants atau pelancong dalam Bahasa Inggris. Peredvizhniki adalah gerakan yang menyebabkan seni Rusia mengikuti realisme dari pertengahan abad ke delapan belas hingga awal 1900. Tujuan mereka adalah meningkatkan reformasi sosial dan meningkatkan kesadaran nasional.

Artis terkenal lainnya yang meningkatkan realisme termasuk Isaak Levitan, Mikhail Vrubel, Ivan Aivazovsky, Samuel Adlivankin, Abram Arkhipov, Alexey Venetsianov di antara banyak seniman lainnya. Seniman-seniman ini akan melukis potret dan alam dalam bentuk aslinya. Jenis seni yang dihasilkan terinspirasi oleh kehidupan sehari-hari dan kejadiannya. Beberapa lukisan terkenal tahun 1800-an termasuk “Perayaan Kolkhoz”, “Hamparan Biru”, “Tahun 1918 di Petrograd” dan “Stalin dan Voroshirov di Kremlin” di antara lukisan-lukisan lain.

Seni Abad ke-19: Gaya Seni Romantisisme dan Neoklasikisme

Seorang seniman khususnya memiliki dampak besar pada Eropa Barat yang mempengaruhi pembatasan gaya seni. Dia membantu menjungkirbalikkan gaya realisme dan memungkinkan penghargaan untuk romantisme dan gaya neoklasik. Dia membuat lukisan terkenal “The Last Day of Pompeii”. Namanya adalah Karl Briullov, seorang pelukis ulung seni rupa. Lukisan itu dilakukan dengan gaya neoklasik dan romantisme.

Senis Lukis RusiaSeni Abad 19: Kebangkitan Slavia

Masa kebangkitan Slavia berlangsung sepanjang akhir abad ke-19. Ini adalah periode kebangkitan dalam warisan nasional Rusia dengan seni memperoleh sifat abad pertengahan yang paling mewakili budaya Rusia. Ini memperkenalkan kembali ideologi realisme dengan lebih banyak simbolisme dan keindahan dalam lukisan. Salah satu pelukis terkenal selama periode ini adalah Victor Vasnetsov. Vasnetsov melukis Rusia dalam Sejarah Kievan.

Seni Abad 21: Pandangan sekilas ke Seni Kontemporer Rusia

Seni kontemporer mencakup semua hal yang obyektif. Itu tidak tunduk pada aturan alam dan melampaui imajinasi. Mungkin menggunakan benda-benda abstrak untuk menggambarkan kehidupan dan menggunakan makhluk hidup untuk menggambarkan modernisasi. Seni kontemporer modern dalam arti kata. Ia lahir di Rusia karena mempersonalisasikan seni dan menjauh dari norma-norma Stalin dan budaya soviet. Selama masa pemerintahan Stalin, seni kontemporer dipandang sebagai tindakan menantang.

Ketika Mikhail Gorbachev berkuasa, peraturan berubah dan seni kontemporer dapat dipamerkan di depan umum. Dia memberi seniman kebebasan mereka dan menghilangkan semua batasan yang ditempatkan oleh pemerintah Stalin. Kesenjangan estetika yang sebelumnya membagi non-konformis dan konformis seni menghilang dan kedua dunia menggabungkan seni mereka untuk membuat tema gabungan seni modern.

Seni kontemporer mencakup ikonografi. Ini adalah lukisan ikonik, yang telah lama dalam seni bersejarah tetapi telah dimodifikasi untuk memasukkan potret yang menyatu dengan kehidupan spiritual dan kecenderungan mistik. Ini akhirnya membawa seni ke tingkat yang sama sekali baru dari gaya pluralistik yang telah menyatu menjadi satu gaya utama, gaya seni kontemporer. Salah satu contoh seni kontemporer adalah lukisan George Skripnichenko berjudul “A Man is the Eyes Good” yang dipajang di Museum Seni Kontemporer Rusia.

Tips Penting Dalam Seni Lukis Abstrak

Tips Penting Dalam Seni Lukis Abstrak

Keindahan seni abstrak adalah bahwa itu adalah bebas dari jenis ini. Saya berpikir bahwa tidak ada cara yang benar atau salah untuk membuat gambar dari seni abstrak. nilai-nilai bentuk, garis, kontras, warna, posisi, dan lapangan sangat dasar. Namun, penting bahwa seniman merasa bebas untuk bereksperimen dan bereksplorasi dengan cat. Jika Anda mendekati gaya lukisan dengan tips berikut, Anda berada di jalan untuk menghasilkan lukisan seni abstrak ia mencintai sebanyak yang Anda menghargai nilainya.

Sebagai seniman kontemporer, saya memilih untuk membuat pekerjaan bebas saya dan saya dapat berbagi dengan Anda. pekerjaan saya telah mencapai muncul dan berkembang, bukan bagian dari ide yang terbentuk sebelumnya. Aku mematuhi prinsip-prinsip bentuk, garis, kontras, nada warna dan posisi. Namun, pekerjaan saya sering terbaik ditemukan melalui eksplorasi dan kecelakaan atau kebetulan. Saya akan terbuka untuk semua kemungkinan dan bersedia untuk mencoba untuk membuat sebuah lukisan seni abstrak yang sukses. Bagi saya itu adalah sebuah lukisan abstrak dan rahasia yang dijelaskan dalam 6 tips berikut.

6 Kiat Untuk Lukisan Seni Abstrak

6 Kiat Untuk Lukisan Seni Abstrak

1. Be Free.

Sisihkan semua tugas sehari-hari dan tindakan dan pikiran rutin. Piring bisa kemudian, bahkan jauh lebih cepat setelah Anda mengekspresikan diri – Anda akan terkejut. Pastikan ada banyak jaringan di tanah adalah sebebas mungkin. Hal ini penting untuk memiliki kebebasan untuk mengekspresikan diri tanpa harus membuat berantakan. Memakai pakaian tua dan ingat apa itu ketika anak-anak bersenang-senang menciptakan sebuah lukisan abstrak di persemaian.

2. Fokus.

Anda bisa lupa untuk berpikir tentang tagihan, bekerja, bekerja dan tanggung jawab keluarga. Ada banyak waktu mengkhawatirkan kemudian. Duduk selama beberapa menit dan berpikir tentang apa yang memberi sukacita, Anda tahu pada saat itu, atau merasa bagian terpenting dari Anda. Jadilah bersedia untuk mengungkapkan. Pilih musik yang mengangkat semangat dan dukungan cat lukisan abstrak dengan meninggalkan liar.

3. Jangan Berharap.

Menghilangkan semua harapan. Ini adalah yang paling sulit. Sepanjang hidup kita, kita ingin melukis apel kesetaraan yang sempurna atau oranye. Lupakan dan melupakan seorang guru kelas lima yang mengatakan ia tidak bisa dihapus. Hanya menikmati saat ini dan melihat apa yang terjadi. Jangan khawatir tentang kain putih bersih. Jika Anda merasa selimut putih perlu sesegera mungkin, untuk menghilangkan rasa takut itu, maka lakukanlah. Anda dapat memulai dengan menerapkan warna lukisan abstrak di atas kanvas untuk menutupi sepenuhnya. Kemudian mulai warna yang dipilih untuk bersenang-senang atau untuk pergi dengan intuisi Anda.

4. Beri Lebih Banyak Cat Pada Sikat Anda Atau Gunakan Tangan Anda!

Jangan khawatir tentang lukisan menjadi kacau di wajah, di tanah atau pakaian. Jangan khawatir tentang membuat kesalahan, saya pikir tidak ada kesalahan dalam seni, penemuan dan tantangan yang harus diselesaikan. Tidak perlu untuk membiarkan lapisan pertama cat untuk kering sebelum menerapkan lebih. Basah pada basah adalah cara yang bagus untuk membuat lukisan seni abstrak yang besar. Gunakan alat untuk membuat tanda Anda, bisa ada sikat gigi di sekitar rumah, hanya mencoba. Cobalah untuk menghapus cat baru diterapkan lagi. Jangan takut dari media. Datang menikmati. Melukis dengan liar dan melihat apa yang terjadi. Saya tidak ingat.

5. Berhenti Dan Langkah Mundur.

Apa yang Anda lihat? Munculnya merek dan hal-hal yang tidak ia sukai. Bahkan, itu panjang. Ayo, minum teh dan kembali kemudian dan melihat. Apa tiba-tiba? Untuk ini adalah lukisan abstrak.

6. Tahu Apa Yang Dilukis.

Luangkan waktu untuk mengidentifikasi apa yang telah Anda dicat. Anda melihat bagaimana kita dapat menarik? Anda melihat warna dan merek yang sangat cocok satu sama lain?  Luangkan waktu untuk melihat apa yang telah Anda dicat, telah menjadi lebih jelas dari waktu ke waktu. Selamat! Mereka mulai melukis seni abstrak. Ini sudah dapat dilakukan. Hal ini masih rahasia … Dibutuhkan waktu untuk mengetahui perbedaannya.

Ada banyak pertanyaan yang ilustrasi selesai lukisan abstrak. Termasuk keseimbangan di tempat kerja, atau ketiadaan, nada, penempatan, komposisi, penggunaan bahan dan penggunaan warna. Lebih ke kiri dalam proses, semakin Anda tahu. Good luck dan bersenang-senang – menikmati diri sendiri!

Seni Print Edisi Terbatas : Apakah Mereka Bernilai Apa Saja?

Seni Print Edisi Terbatas

Banyak kolektor mengabaikan Print. Print sering dilihat sebagai salinan karya seni terkenal yang diproduksi secara massal yang tidak begitu berharga atau layak diinvestasikan. Tetapi tidak ada yang bisa lebih jauh dari kebenaran. Print bisa sama berharganya dengan karya seni lainnya dan Print tertentu diketahui mencapai harga tujuh atau delapan angka di lelang yang sama seperti layaknya taruhan bola yang kita lihat sekilas tidak menguntungkan akan tetapi kini bisnis taruhan bola menjadi suatu bisnis yang sangat besar. Salah satu Print pertama yang pernah dibuat oleh Pablo Picasso berjudul The Frugal Repast (Le repas frugal) dijual seharga GBP 1.945.250 pada 2012, sementara Au lit: Le baiser, litograf oleh Toulouse-Lautrec mencapai harga mengejutkan USD 12.485.000.

Membeli Print dapat menjadi cara yang bagus untuk mendapatkan karya seniman terkenal dengan harga terjangkau, tetapi mereka juga dapat berfungsi sebagai tambahan yang bagus untuk koleksi serba bisa yang mencakup seluruh tubuh karya seniman tertentu (lukisan, gambar, dan Print sama) ). Karena harganya hanya sebagian kecil dari harga lukisan atau foto, Print juga merupakan cara yang bagus bagi kolektor seni baru untuk memulai koleksi mereka.
Dealer sering membingungkan pembeli dengan istilah ahli seperti “Print edisi terbatas”, “ditandatangani oleh artis,” “bukti artis”, dan sejenisnya. Memahami istilah-istilah ini sangat penting untuk membuat keputusan berdasarkan informasi dan menentukan nilai Print.

Seni Asli vs. Reproduksi

Seni Asli vs. Reproduksi

Tidak semua Print seni adalah reproduksi dari karya seni terkenal lainnya. Justru sebaliknya, ada banyak karya seni yang hanya dibuat sebagai Print. Print ini disebut Print asli, sedangkan Print yang mewakili salinan karya seni lainnya disebut reproduksi. Sama seperti lukisan atau patung, Print seni asli adalah karya seni asli yang menambah nilai dan harganya. Itu sebabnya Anda harus membayar lebih mahal untuk Print seni asli daripada reproduksi.

Print yang Ditandatangani vs. Tidak Ditandatangani

Print yang Ditandatangani vs. Tidak Ditandatangani

Kebanyakan seniman menandatangani Print mereka di sudut kanan bawah karya. Dianggap bahwa, dengan menandatangani Print, artis menyetujuinya, dan mengklaimnya sebagai karyanya sendiri. Terkadang printer juga menandatangani Print yang mereka hasilkan, itulah sebabnya beberapa bagian memiliki dua tanda tangan. Tanda tangan banyak diperhitungkan di pasar Print karena mereka menambah keaslian karya seni. Nilai Print yang ditandatangani biasanya dua kali atau lebih tinggi dari nilai Print yang tidak ditandatangani, jadi jika Anda punya pilihan, itu selalu lebih baik untuk versi yang ditandatangani.

Print Terbuka vs. Edisi Terbatas

Print Terbuka vs. Edisi Terbatas

Print diproduksi dalam seri yang disebut edisi. Setiap edisi berisi sejumlah Print yang terbuat dari satu piring dalam sekali proses. Tidak seperti Print edisi tak terbatas (juga dikenal sebagai edisi terbuka), yang dapat direproduksi dalam jumlah tak terbatas, edisi terbatas (seperti namanya) dibuat dalam jumlah terbatas. Edisi terbatas dapat memuat antara 2 dan beberapa ribu Print, tergantung pada teknik yang digunakan dan niat artis. Print dari edisi kecil mempertahankan eksklusivitas dan mencapai harga yang lebih tinggi daripada Print edisi besar.
Apa itu Nomor Jalankan Print?

Setiap Print dalam edisi terbatas diberi nomor, biasanya dengan pensil di bagian bawah Print. Nomor ini (yang terlihat seperti pecahan) disebut nomor jalankan Print dan ini menunjukkan posisi Print dalam edisi. Nomor lari Print sangat penting untuk menentukan nilai Print.
Penyebut (angka bawah dalam fraksi) akan menunjukkan kepada Anda berapa banyak Print dicetak dalam satu edisi. Angka atas (pembilang) akan menunjukkan kepada Anda ketika setiap Print dibuat selama proses. Misalnya, jika Anda melihat nomor 15/100 pada karya Anda, itu berarti Anda memiliki Print ke 15 dari edisi yang berisi total 100 Print.

Sejauh menyangkut angka run print, aturannya sederhana: semakin kecil angkanya semakin besar nilainya. Kesan pertama dalam proses Print biasanya mencapai harga yang lebih tinggi karena dianggap paling dekat dengan ide asli artis.

Trial, Hors d Commerce, Printer dan Bukti Artis

Trial, Hors d Commerce, Printer dan Bukti Artis

Bagaimana jika suatu Print tidak memiliki nomor kecuali A / P atau tanda P / P di atasnya? Apakah itu berarti itu palsu? Benar-benar tidak! Terlepas dari Print “bernomor” biasa Anda, setiap edisi dapat memiliki satu atau beberapa jenis Print khusus yang disebut bukti uji coba, bukti artis, bukti bon à tirer, dan bukti printer.

Selama proses seni grafis, sang seniman menguji berbagai ide, warna, dan komposisi. Print ini ditarik keluar selama berbagai tahap kerja disebut bukti percobaan. Bukti percobaan hanya dapat menunjukkan sebagian dari hasil Print yang tidak lengkap dan selalu berbeda dari bagian terakhir.

Ketika artis puas dengan piring jadi, gelar B.A.T. bukti dibuat. KELELAWAR. adalah kependekan dari “bon à tirer,” sebuah ungkapan bahasa Perancis yang berarti siap untuk dicetak. KELELAWAR. bukti berfungsi sebagai contoh bagaimana sebuah karya seni final akan terlihat seperti. KELELAWAR. bukti dikirim ke printer untuk memastikan bahwa seluruh edisi sesuai dengan visi asli artis.

Bukti artis (juga dikenal sebagai épreuve dartiste, atau E.A) adalah kesan Print, yang diambil selama proses pembuatan grafis untuk meninjau keadaan piring. Di masa lalu, bukti artis adalah Print pertama yang ditarik dari piring baru, tetapi saat ini bukti artis dapat ditarik kapan saja selama proses Print. Bukti artis identik dengan Print edisi standar, tetapi tidak seperti Print biasa dengan pecahan, Print ini biasanya ditandai dengan A / P (atau E.A). Seniman biasanya menyimpan bukti seniman untuk diri mereka sendiri sehingga mereka dapat meminjamnya ke berbagai lembaga untuk keperluan pameran ketika sisa edisi habis terjual. Jumlah bukti artis dapat bervariasi, tetapi tidak boleh melebihi 10% dari edisi terbatas.

Selain dari uji coba dan bukti artis, Anda juga dapat menemukan Print yang ditandai dengan P / P atau H / C, yang merupakan kependekan dari bukti printer dan bukti perdagangan. Bukti printer adalah Print gratis yang diberikan kepada penerbit. Hanya ada beberapa di antaranya dan jumlahnya tergantung pada jumlah printer yang terlibat dalam proses pencetakan (setiap printer mendapat satu bukti).

Bukti H / C atau bukti perdagangan (yang dalam bahasa Prancis berarti tidak menjual), di sisi lain, dimaksudkan untuk berfungsi sebagai sampel yang diberikan seniman kepada dealer dan galeri. Bukti artis, bukti printer, bukti H / C, dan bukti uji coba tidak dimaksudkan untuk dijual, tetapi seringkali mereka juga menemukan jalan ke pasar. Bukti sangat diinginkan di kalangan kolektor karena kelangkaannya, atau dalam kasus bukti uji coba, kemampuan mereka untuk memberikan wawasan yang berharga tentang proses kreatif seniman.

Dengan begitu banyak hal yang perlu dipertimbangkan, mengumpulkan Print bisa tampak seperti usaha yang rumit. Tetapi jika Anda melakukan penelitian dengan benar dan mencari tahu siapa seniman dan printer, bagaimana Print dibuat, berapa banyak dari mereka dibuat, dan berapa banyak edisi telah dibuat, Anda akan berada pada cara yang baik untuk menentukan yang asli nilai Print.

Jenis – Jenis Aliran Seni Melukis

Jenis - Jenis Aliran Seni Melukis

Melukis sebuah lukisan akan menciptakan sebuah karya seni yang umumnya menjadi perhatian banyak orang, dan sebuah karya yang cantik akan membikin orang bertanya apa pandangan baru dibalik hasil karya hal yang demikian.

Seni melukis ialah salah satu cabang dari ilmu kesenian yang dikhususkan dalam pengembangan dalam menggambar.

Melukis itu sendiri ialah aktivitas mengolah atau merakayasa medium dua dimensi atau bidang dari objek tiga dimensi menjadi sesuatu yang mempunyai kesan tertentu. Medium lukisan yang lazim digunakan yakni kanvas, kertas, papan, dan medium lainnya.

Dalam mempelajari seni lukis, ada sebagian pokok pembahasan yang menjadi pengetahuan penting dalam melukis. Ragam-hal yang penting dikenal mengenai seni lukis diantaranya yakni tipe/macam-macam seni lukis, fungsi seni lukis, dan teknik-teknik dalam melukis. Berikut diperkenalkan pokok-pokok pembahasan hal yang demikian beserta bagian-komponennya.

Ragam-Ragam Seni Lukis

Seni Lukis mempunyai karakteristik bermacam-macam-ragam. Ragam-macam seni lukis tertuang dalam bermacam-macam aliran seni musik yang masing-masing mempunyai gaya seni lukis yang khas. Berikut ini aliran-aliran seni melukis yang mempunyai ciri khas tertentu yang berbeda-beda :

  1. Klasisme
    Aliran Klasisme ini yakni bercorak klasik Yunani dan Romawi dengan format gambar yang realistis. Bumbu-bumbu realistis ini yakni format tampilan lukisan yang diciptakan semirip-miripnya dengan format aslinya di dunia kongkret.
  2. Romantisme
    Aliran romantisme mempunyai ciri khas skor-skor sebuah momen yang menarik, istimewa, dan cantik. Ragam ini bisa berupa kejadian-kejadian yang menyenangkan, relasi romansa, dan lukisan-lukisan manusia berparas anggun.
  3. Realisme
    Ragam aliran ini lebih menciptakan suatu karya yang menangkap fenomena yang kongkret terjadi dan dialami dalam kehidupan secara obyektif.. Absurd dipandang, realisme ini ialah tentangan kepada aliran berjenis klasisme yang statis serta romantisme yang berlebihan.
  4. Naturalisme
    Naturalisme ialah aliran yang cenderung menampilkan suatu situasi malam. Ragam tema yang berkeinginan diciptakan untuk melukis dikaitkan dengan situasi alam yang lebih dominan.
  5. Ekspresionisme
    Ekspresionisme ialah macam seni lukis yang menganggap bahwa ekspresi ialah unsur penting yang dipakai untuk mewujudkan karya lukis yang menarik dan berkesan. Seni ini terlahir dari sebuah emosionil yang murni dari dalam hati dan dituangkan dalam warna dan wujud gambar.
  6. Surealisme
    Aliran ini memproyeksikan objek-objek yang dipandangnya secara alami menjadi objek-objek yang ada dalam sebuah mimpi. Hasil karya yang dijadikan yakni objek-objek yang imajinatif dan unik.
  7. Elemen
    Ragam aliran imajiner ialah lukisan dengan wujud penyampaian makna secara tak segera. Aliran ini tak membuktikan objek dalam wujud aslinya, melainkan gambar yang samar dan membikin pengunjung berdaya upaya apa lukisan itu.
  8. Gotik
    Aliran seni lukis ini menekankan objek berupa tokoh-tokoh suci, raja, ratu, daerah ibadah, istana, atau objek-objek lain yang terkait dengan dinasti. Ciri khas penggambarannya yakni berupa garis tebal dan warna yang dipertegas.
  9. Futurisme
    Aliran ini cenderung menekankan pada gerak yang cantik dan menampakkan objek lukisan yang digambar seakan-akan bergerak. Obyek yang kuat yakni kedinamisan, ekspresi kecepatan, dan ekspresi kesamaan waktu yang kuat.
  10. Konstruktivisme
    Ragam aliran konstruktivisme yakni aliran yang melukiskan format konstruksi bangunan disertai dengan penekanan konsentrasi pada sebuah bangunan. yang digambar bisa berupa bangunan figur klasik, modern, atau bangunan yang lain.

Itulah ke 10 jenis aliran dalam seni lukis yang dikutip dari sumber https://www.depoxito.com/id-ID/Home , selengkapnya mengenai aliran seni bisa Anda lihat pada situs tersebut.